Este programa se sitúa precisamente en ese territorio fascinante donde el rock y el jazz se encuentran. Un espacio donde lo familiar se transforma sin perder su esencia, y donde el oyente —sea amante del rock o del jazz— descubre que ambas músicas comparten un mismo impulso creativo: la búsqueda de una voz propia.

Así, “The Logical Song” de Supertramp reaparece en la mirada introspectiva de Brad Mehldau, junto a la voz íntima y envolvente de Fleurine. Lo que en su origen era una sofisticada pieza de pop progresivo, aquí se convierte en una meditación delicada, donde cada acorde parece abrir una pregunta más que ofrecer una respuesta.

La emoción contenida de “Tears in Heaven”, de Eric Clapton, encuentra en el saxo de Joshua Redman una nueva forma de decir lo indecible. El fraseo se vuelve respiración, pausa, duda… y la melodía se expande, como si el dolor encontrara nuevos matices en la improvisación.

Con “Space Oddity” de David Bowie, reinterpretada por Till Brönner, el viaje se vuelve aún más ingrávido. La trompeta dibuja un paisaje sonoro donde el tiempo parece suspendido, y el espacio —más que un lugar— es una sensación.

En contraste, “Lithium” de Nirvana, en manos de The Bad Plus, conserva su tensión original, pero la reconfigura. El pulso se fragmenta, la energía se desplaza, y el caos contenido del grunge encuentra en el lenguaje jazzero una nueva arquitectura sin perder su intensidad.

También está “Little Wing” de Jimi Hendrix, reinterpretada por el trío de Franck Lockwood, nos recuerda que hay músicas que ya nacen abiertas. Hendrix, en su libertad, ya estaba dialogando con el espíritu del jazz; esta versión simplemente continúa esa conversación.

Este tipo de programas no solo tiende puentes entre públicos: los vuelve innecesarios. Porque el jazz, en su esencia más profunda, no es un género cerrado, sino una forma de transformar. Toma una canción conocida y la desplaza, la respira de otra manera, la vuelve pregunta.

Y en ese proceso, el oyente también cambia.

Reconoce la melodía… pero ya no la escucha igual.

Este programa se sitúa precisamente en ese territorio fascinante donde el rock y el jazz se encuentran. Un espacio donde lo familiar se transforma sin perder su esencia, y donde el oyente —sea amante del rock o del jazz— descubre que ambas músicas comparten un mismo impulso creativo: la búsqueda de una voz propia.

Así, “The Logical Song” de Supertramp reaparece en la mirada introspectiva de Brad Mehldau, junto a la voz íntima y envolvente de Fleurine. Lo que en su origen era una sofisticada pieza de pop progresivo, aquí se convierte en una meditación delicada, donde cada acorde parece abrir una pregunta más que ofrecer una respuesta.

La emoción contenida de “Tears in Heaven”, de Eric Clapton, encuentra en el saxo de Joshua Redman una nueva forma de decir lo indecible. El fraseo se vuelve respiración, pausa, duda… y la melodía se expande, como si el dolor encontrara nuevos matices en la improvisación.

Con “Space Oddity” de David Bowie, reinterpretada por Till Brönner, el viaje se vuelve aún más ingrávido. La trompeta dibuja un paisaje sonoro donde el tiempo parece suspendido, y el espacio —más que un lugar— es una sensación.

En contraste, “Lithium” de Nirvana, en manos de The Bad Plus, conserva su tensión original, pero la reconfigura. El pulso se fragmenta, la energía se desplaza, y el caos contenido del grunge encuentra en el lenguaje jazzero una nueva arquitectura sin perder su intensidad.

También está “Little Wing” de Jimi Hendrix, reinterpretada por el trío de Franck Lockwood, nos recuerda que hay músicas que ya nacen abiertas. Hendrix, en su libertad, ya estaba dialogando con el espíritu del jazz; esta versión simplemente continúa esa conversación.

Este tipo de programas no solo tiende puentes entre públicos: los vuelve innecesarios. Porque el jazz, en su esencia más profunda, no es un género cerrado, sino una forma de transformar. Toma una canción conocida y la desplaza, la respira de otra manera, la vuelve pregunta.

Y en ese proceso, el oyente también cambia.

Reconoce la melodía… pero ya no la escucha igual.

Los padres no solo enseñan acordes o técnicas; transmiten una forma de estar en el mundo, de escuchar, de respetar el silencio. Y los hijos, al recoger ese legado, lo transforman, lo continúan, lo vuelven propio.

Así, la música se vuelve un puente entre generaciones, una conversación que no se interrumpe. Lo que comenzó en unas manos sigue en otras.

Quizá ese sea el verdadero sentido de este homenaje: reconocer que detrás de cada músico hay un origen compartido. 

Los padres no solo enseñan acordes o técnicas; transmiten una forma de estar en el mundo, de escuchar, de respetar el silencio. Y los hijos, al recoger ese legado, lo transforman, lo continúan, lo vuelven propio.

Así, la música se vuelve un puente entre generaciones, una conversación que no se interrumpe. Lo que comenzó en unas manos sigue en otras.

Quizá ese sea el verdadero sentido de este homenaje: reconocer que detrás de cada músico hay un origen compartido. 

Una de las razones de esta desconexión es la propia naturaleza del jazz. A diferencia de otros géneros, su valor artístico se basa en gran medida en la improvisación, la interacción entre músicos y la evolución del lenguaje musical, aspectos que no siempre resultan fáciles de evaluar dentro de un sistema de premios de la industria.

Sin embargo, conviene recordar algo esencial: no hay razón para acercarse a estos premios con complejos ni con prejuicios. Si bien los premios Grammys no son, ni pretenden ser, la última palabra sobre el jazz. No dictan el canon definitivo ni sustituyen el juicio de los oyentes, de los músicos o de la historia. Pero sí funcionan como una brújula momentánea, una señal en medio del mapa siempre cambiante de esta música. En sus nominaciones y en sus ganadores se puede percibir, con mayor o menor precisión, hacia dónde se desplazan las corrientes del jazz contemporáneo.

Allí conviven distintas generaciones, distintos lenguajes y distintas maneras de entender una tradición que nunca ha sido estática. El jazz alternativo abre puertas a nuevas texturas y fusiones; el jazz latino reafirma su vigor rítmico y cultural; las Big Bands demuestran que la arquitectura sonora del gran formato sigue viva; y en los terrenos vocales e instrumentales, los músicos continúan dialogando con ese repertorio inagotable que llamamos estándares.

Porque el jazz siempre ha sido eso: una conversación entre memoria y presente. Y quizá por eso, incluso dentro de una institución tan mediática como los Grammys, se alcanza a escuchar algo profundamente auténtico: la persistencia de una música que cambia sin dejar de reconocerse a sí misma.

Y claro, siempre están los que declaran con solemnidad que los Grammys no importan, que son irrelevantes, que no entienden nada del jazz y de la buena música en general. Lo dicen con admirable convicción… al menos hasta que uno de sus artistas favoritos aparece entre los nominados. Entonces el premio recupera súbitamente su prestigio, su legitimidad y hasta su sabiduría histórica. Si gana, mejor todavía: el Grammy vuelve a ser una institución respetable. Si pierde, vuelve a ser un desastre. Una coreografía crítica bastante conocida: negar el valor del trofeo… hasta que el trofeo cae en manos propias. Una pequeña paradoja, quizá; o tal vez, simplemente, una forma muy humana de escuchar música.

Una de las razones de esta desconexión es la propia naturaleza del jazz. A diferencia de otros géneros, su valor artístico se basa en gran medida en la improvisación, la interacción entre músicos y la evolución del lenguaje musical, aspectos que no siempre resultan fáciles de evaluar dentro de un sistema de premios de la industria.

Sin embargo, conviene recordar algo esencial: no hay razón para acercarse a estos premios con complejos ni con prejuicios. Si bien los premios Grammys no son, ni pretenden ser, la última palabra sobre el jazz. No dictan el canon definitivo ni sustituyen el juicio de los oyentes, de los músicos o de la historia. Pero sí funcionan como una brújula momentánea, una señal en medio del mapa siempre cambiante de esta música. En sus nominaciones y en sus ganadores se puede percibir, con mayor o menor precisión, hacia dónde se desplazan las corrientes del jazz contemporáneo.

Allí conviven distintas generaciones, distintos lenguajes y distintas maneras de entender una tradición que nunca ha sido estática. El jazz alternativo abre puertas a nuevas texturas y fusiones; el jazz latino reafirma su vigor rítmico y cultural; las Big Bands demuestran que la arquitectura sonora del gran formato sigue viva; y en los terrenos vocales e instrumentales, los músicos continúan dialogando con ese repertorio inagotable que llamamos estándares.

Porque el jazz siempre ha sido eso: una conversación entre memoria y presente. Y quizá por eso, incluso dentro de una institución tan mediática como los Grammys, se alcanza a escuchar algo profundamente auténtico: la persistencia de una música que cambia sin dejar de reconocerse a sí misma.

Y claro, siempre están los que declaran con solemnidad que los Grammys no importan, que son irrelevantes, que no entienden nada del jazz y de la buena música en general. Lo dicen con admirable convicción… al menos hasta que uno de sus artistas favoritos aparece entre los nominados. Entonces el premio recupera súbitamente su prestigio, su legitimidad y hasta su sabiduría histórica. Si gana, mejor todavía: el Grammy vuelve a ser una institución respetable. Si pierde, vuelve a ser un desastre. Una coreografía crítica bastante conocida: negar el valor del trofeo… hasta que el trofeo cae en manos propias. Una pequeña paradoja, quizá; o tal vez, simplemente, una forma muy humana de escuchar música.

Desde la fusión de los años setenta hasta reinterpretaciones contemporáneas, estos registros muestran cómo el lenguaje coltraniano, se convirtió en un punto de referencia central para el jazz moderno. Lo que escucharemos, más que simples tributos, son documentos históricos que revelan cómo su pensamiento musical —armónico, modal y espiritual— continuó expandiéndose mucho después de su muerte, ocurrida un 17 de julio de 1967.

Prepárense y acomódense para este primer capítulo preparatorio: una cartografía del impacto. Desde el jazz vocal hasta la fusión eléctrica, desde sus propios compañeros de ruta hasta herederos espirituales de décadas posteriores. Coltrane no fue solo un saxofonista: fue una visión, un método, una búsqueda infinita.

Desde la fusión de los años setenta hasta reinterpretaciones contemporáneas, estos registros muestran cómo el lenguaje coltraniano, se convirtió en un punto de referencia central para el jazz moderno. Lo que escucharemos, más que simples tributos, son documentos históricos que revelan cómo su pensamiento musical —armónico, modal y espiritual— continuó expandiéndose mucho después de su muerte, ocurrida un 17 de julio de 1967.

Prepárense y acomódense para este primer capítulo preparatorio: una cartografía del impacto. Desde el jazz vocal hasta la fusión eléctrica, desde sus propios compañeros de ruta hasta herederos espirituales de décadas posteriores. Coltrane no fue solo un saxofonista: fue una visión, un método, una búsqueda infinita.

Comprobaremos que un standard no nace por decreto, sino que se consolida cuando distintas generaciones lo reinterpretan, lo transforman y lo mantienen vivo. En ese tránsito, esas canciones dejaron de ser únicamente francesas para convertirse en patrimonio compartido del lenguaje jazzístico.

Prepárense para este viaje, recordando que el jazz siempre ha sabido dialogar, absorber y reinventar. Y que, a veces, basta una buena melodía para cruzar fronteras y quedarse para siempre en la memoria colectiva.

Comprobaremos que un standard no nace por decreto, sino que se consolida cuando distintas generaciones lo reinterpretan, lo transforman y lo mantienen vivo. En ese tránsito, esas canciones dejaron de ser únicamente francesas para convertirse en patrimonio compartido del lenguaje jazzístico.

Prepárense para este viaje, recordando que el jazz siempre ha sabido dialogar, absorber y reinventar. Y que, a veces, basta una buena melodía para cruzar fronteras y quedarse para siempre en la memoria colectiva.

Este diálogo ha permitido que dos géneros con orígenes distintos —uno nacido de la tradición sentimental latinoamericana, otro producto de la innovación afroamericana— encuentren puntos de convergencia y expansión. A través de la selección de temas que hoy comparo con ustedes, podrán apreciar cómo el bolero puede reinterpretarse dentro del jazz sin perder su esencia, sino más bien enriqueciéndose mediante la complejidad armónica, la improvisación y la flexibilidad rítmica del jazz.

Este cruce no sólo ha ampliado el repertorio de ambos géneros, sino que ha generado una forma de expresión musical que refleja la globalización cultural y la capacidad ilimitada de la creatividad humana para fusionar tradiciones con respeto artístico.

Este diálogo ha permitido que dos géneros con orígenes distintos —uno nacido de la tradición sentimental latinoamericana, otro producto de la innovación afroamericana— encuentren puntos de convergencia y expansión. A través de la selección de temas que hoy comparo con ustedes, podrán apreciar cómo el bolero puede reinterpretarse dentro del jazz sin perder su esencia, sino más bien enriqueciéndose mediante la complejidad armónica, la improvisación y la flexibilidad rítmica del jazz.

Este cruce no sólo ha ampliado el repertorio de ambos géneros, sino que ha generado una forma de expresión musical que refleja la globalización cultural y la capacidad ilimitada de la creatividad humana para fusionar tradiciones con respeto artístico.

En esta sesión de inicio de celebración, quiero hacerlo desde un lugar particular, quizás más revelador que la mera revisión de una discografía. En este programa no vamos a escuchar a Miles Davis tocando su trompeta inconfundible; vamos a escuchar, en cambio, el eco profundo y múltiple de su legado en la música de otros. Miles fue, además de un genio creativo, un catalizador. Un músico capaz de convocar, estimular y transformar a quienes tocaron a su lado. Por eso, gran parte de este recorrido estará marcado por artistas que compartieron escenario, estudio y riesgo con él, y que luego, le rindieron homenajes de manera explícita, ya sea dedicándole álbumes completos o composiciones puntuales.

En esta sesión de inicio de celebración, quiero hacerlo desde un lugar particular, quizás más revelador que la mera revisión de una discografía. En este programa no vamos a escuchar a Miles Davis tocando su trompeta inconfundible; vamos a escuchar, en cambio, el eco profundo y múltiple de su legado en la música de otros. Miles fue, además de un genio creativo, un catalizador. Un músico capaz de convocar, estimular y transformar a quienes tocaron a su lado. Por eso, gran parte de este recorrido estará marcado por artistas que compartieron escenario, estudio y riesgo con él, y que luego, le rindieron homenajes de manera explícita, ya sea dedicándole álbumes completos o composiciones puntuales.

En esta sesión haremos un viaje a través de su música, su vida, sus discípulos y su legado musical.

En esta sesión haremos un viaje a través de su música, su vida, sus discípulos y su legado musical.

Murakami no escribe sobre el jazz desde la distancia del crítico ni desde el pedestal del especialista. Lo hace como un oyente apasionado, como alguien que ha pasado noches enteras escuchando discos, atendiendo bares, dejando que una melodía le ordene los pensamientos. Cada texto de este libro es un pequeño retrato —íntimo, subjetivo, profundamente humano— de músicos que marcaron su vida y que no aparecen aquí como monumentos, sino como presencias vivas, con luces, sombras… y una voz irrepetible.

Murakami no escribe sobre el jazz desde la distancia del crítico ni desde el pedestal del especialista. Lo hace como un oyente apasionado, como alguien que ha pasado noches enteras escuchando discos, atendiendo bares, dejando que una melodía le ordene los pensamientos. Cada texto de este libro es un pequeño retrato —íntimo, subjetivo, profundamente humano— de músicos que marcaron su vida y que no aparecen aquí como monumentos, sino como presencias vivas, con luces, sombras… y una voz irrepetible.

La quinta disminuida nace y se sostiene justamente en ese espacio de búsqueda. Por eso, en este programa continuamos recorriendo los caminos que ustedes han ido señalando. Los temas, los discos y los nombres que sonarán en esta sesión no son decisiones aisladas, sino el resultado de una escucha colectiva, de un diálogo silencioso pero constante entre quienes hacen el programa y quienes lo acompañan desde el otro lado.

El 2025 fue un año especialmente fértil. Un gran año para La quinta disminuida, que afianzó su mirada y su manera de contar el jazz sin apuros ni consignas, sin complejos ni prejuicios, pero también un gran año para el jazz en general. Un año que confirmó que esta música no pertenece al pasado: nuevas lecturas de la tradición, rescates fundamentales, escenas locales y globales en plena ebullición, y músicos que siguen entendiendo al jazz como un lenguaje abierto, crítico y profundamente contemporáneo.

Entramos así en 2026 con la certeza de que escuchar jazz sigue siendo un acto de atención. Una forma de resistencia al ruido, una invitación a habitar el tiempo de otra manera. Aquí comienza La quinta disminuida. Dejemos que la música piense con nosotros.

La quinta disminuida nace y se sostiene justamente en ese espacio de búsqueda. Por eso, en este programa continuamos recorriendo los caminos que ustedes han ido señalando. Los temas, los discos y los nombres que sonarán en esta sesión no son decisiones aisladas, sino el resultado de una escucha colectiva, de un diálogo silencioso pero constante entre quienes hacen el programa y quienes lo acompañan desde el otro lado.

El 2025 fue un año especialmente fértil. Un gran año para La quinta disminuida, que afianzó su mirada y su manera de contar el jazz sin apuros ni consignas, sin complejos ni prejuicios, pero también un gran año para el jazz en general. Un año que confirmó que esta música no pertenece al pasado: nuevas lecturas de la tradición, rescates fundamentales, escenas locales y globales en plena ebullición, y músicos que siguen entendiendo al jazz como un lenguaje abierto, crítico y profundamente contemporáneo.

Entramos así en 2026 con la certeza de que escuchar jazz sigue siendo un acto de atención. Una forma de resistencia al ruido, una invitación a habitar el tiempo de otra manera. Aquí comienza La quinta disminuida. Dejemos que la música piense con nosotros.

Otro caso es “Goodbye Pork Pie Hat” de Charles Mingus, escrito como elegía para Lester Young tras su muerte en 1959. Más que un homenaje, es un retrato emocional de un músico sensible y adelantado a su tiempo. Mingus canalizó su admiración y dolor en una melodía que respira cercanía, casi como una conversación silenciosa entre dos amigos.

Louis Armstrong también dejó historias profundas detrás de su música. “(What Did I Do to Be So) Black and Blue”, que él reinterpretó con una emotividad singular, se transformó en una declaración contra el racismo cotidiano. Aunque no fue compuesta por él, Armstrong la convirtió en un lamento íntimo, revelando la dureza de vivir en un país que celebraba su talento pero ignoraba su sufrimiento.

Estas obras muestran cómo el jazz no solo se escucha: también se recuerda.

Otro caso es “Goodbye Pork Pie Hat” de Charles Mingus, escrito como elegía para Lester Young tras su muerte en 1959. Más que un homenaje, es un retrato emocional de un músico sensible y adelantado a su tiempo. Mingus canalizó su admiración y dolor en una melodía que respira cercanía, casi como una conversación silenciosa entre dos amigos.

Louis Armstrong también dejó historias profundas detrás de su música. “(What Did I Do to Be So) Black and Blue”, que él reinterpretó con una emotividad singular, se transformó en una declaración contra el racismo cotidiano. Aunque no fue compuesta por él, Armstrong la convirtió en un lamento íntimo, revelando la dureza de vivir en un país que celebraba su talento pero ignoraba su sufrimiento.

Estas obras muestran cómo el jazz no solo se escucha: también se recuerda.

Sus primeras apariciones profesionales fueron disruptivas, ambos fueron discípulos de referentes del jazz-fusión y ambos cruzaron fronteras entre el jazz, el rock, la música latina, el flamenco y la fusión. Sin embargo, las divergencias también son evidentes, uno de ellos desarrolló un sonido más atmosférico y expansivo, caracterizado por líneas melódicas largas y armonías abiertas. El otro, en contraste, apostó por la velocidad, la precisión rítmica y la complejidad técnica, explorando métricas irregulares y virtuosismo extremo.

Sus primeras apariciones profesionales fueron disruptivas, ambos fueron discípulos de referentes del jazz-fusión y ambos cruzaron fronteras entre el jazz, el rock, la música latina, el flamenco y la fusión. Sin embargo, las divergencias también son evidentes, uno de ellos desarrolló un sonido más atmosférico y expansivo, caracterizado por líneas melódicas largas y armonías abiertas. El otro, en contraste, apostó por la velocidad, la precisión rítmica y la complejidad técnica, explorando métricas irregulares y virtuosismo extremo.

Este es el tema alrededor del cual girará la sesión de hoy.

Este programa está dedicado a ellos —a los grandes desconocidos del jazz—, esos intérpretes que nunca alcanzaron la gloria de los titulares, pero cuya música sigue latiendo, como una corriente subterránea que alimenta todo lo demás.

Este programa está dedicado a ellos —a los grandes desconocidos del jazz—, esos intérpretes que nunca alcanzaron la gloria de los titulares, pero cuya música sigue latiendo, como una corriente subterránea que alimenta todo lo demás.

Hoy lo recordamos no con tristeza, sino con gratitud. Porque en su toque —fluido, imprevisible, siempre consciente— vivía la idea de que el ritmo no se impone, se revela. Que la batería puede cantar. Que el jazz, como la vida, es improvisación perpetua.

Que este homenaje de la quinta disminuida, sea, entonces, una conversación con su espíritu: el de un hombre que escuchó al universo y le respondió con música.

Hoy lo recordamos no con tristeza, sino con gratitud. Porque en su toque —fluido, imprevisible, siempre consciente— vivía la idea de que el ritmo no se impone, se revela. Que la batería puede cantar. Que el jazz, como la vida, es improvisación perpetua.

Que este homenaje de la quinta disminuida, sea, entonces, una conversación con su espíritu: el de un hombre que escuchó al universo y le respondió con música.

En la sesión de hoy escucharemos aquellos músicos que grabaron en este sello, que se caracterizaba por una palabra fundamental: Libertad. En la primera parte del programa escucharemos a músicos europeos y en la segunda a norteamericanos.

En la sesión de hoy escucharemos aquellos músicos que grabaron en este sello, que se caracterizaba por una palabra fundamental: Libertad. En la primera parte del programa escucharemos a músicos europeos y en la segunda a norteamericanos.

Nacido en 1952 en Nueva York, Jackson no fue un simple bajista: fue un diseñador sonoro. Su búsqueda de pureza tímbrica y equilibrio armónico lo llevó a concebir el bajo eléctrico de seis cuerdas, prototipo de lo que hoy se conoce como contrabass guitar. Esta extensión del registro le permitió ocupar un espacio intermedio entre el bajo eléctrico tradicional y la guitarra, y un espacio por encima de la cuerda más grave del bajo de cuatro cuerdas generando un nuevo lenguaje para el instrumento.

Técnicamente, su sonido es inconfundible: una articulación precisa, un ataque medido con la autoridad del pulso clásico, y una afinación impecable que convertía cada nota en un acontecimiento armónico. Su sentido de la línea era arquitectónico: pensaba en la música como una estructura tridimensional donde el bajo sostenía, pero también dialogaba.

Nacido en 1952 en Nueva York, Jackson no fue un simple bajista: fue un diseñador sonoro. Su búsqueda de pureza tímbrica y equilibrio armónico lo llevó a concebir el bajo eléctrico de seis cuerdas, prototipo de lo que hoy se conoce como contrabass guitar. Esta extensión del registro le permitió ocupar un espacio intermedio entre el bajo eléctrico tradicional y la guitarra, y un espacio por encima de la vcuerda más grave del bajo de cuatro cuerdas generando un nuevo lenguaje para el instrumento.

Técnicamente, su sonido es inconfundible: una articulación precisa, un ataque medido con la autoridad del pulso clásico, y una afinación impecable que convertía cada nota en un acontecimiento armónico. Su sentido de la línea era arquitectónico: pensaba en la música como una estructura tridimensional donde el bajo sostenía, pero también dialogaba.

Su carrera comenzó en la radio y en pequeños grupos regionales, hasta que en los años sesenta integró el Sambrasa Trio y, más tarde, el Quarteto Novo, conjunto fundamental que fusionó la tradición brasileña con la modernidad del jazz. A partir de entonces, su trayectoria fue un viaje sin fronteras: colaboró con Airto Moreira, con Elis Regina, y alcanzó dimensión internacional cuando Miles Davis lo convocó para el histórico álbum Live-Evil en 1970.

Hermeto no reconocía límites. Usaba la voz, los metales, los teclados, pero también teteras, agua, juguetes, el cuerpo humano. Todo era instrumento en su búsqueda incesante. Esa libertad radical lo llevó a crear obras de una complejidad técnica y una belleza inusual, capaces de conmover tanto al oyente popular, al melómano más erudito y al músico profesional.

En este homenaje póstumo que quiero compartir con ustedes, recorreremos su camino desde los primeros registros en los años sesenta hasta sus composiciones más recientes. No será sólo una sucesión de temas, sino un retrato sonoro de alguien que hizo de la música una manera de existir. Porque en la obra de Hermeto Pascoal cada nota es vida, cada improvisación es memoria, y cada silencio, también, está lleno de música.

Su carrera comenzó en la radio y en pequeños grupos regionales, hasta que en los años sesenta integró el Sambrasa Trio y, más tarde, el Quarteto Novo, conjunto fundamental que fusionó la tradición brasileña con la modernidad del jazz. A partir de entonces, su trayectoria fue un viaje sin fronteras: colaboró con Airto Moreira, con Elis Regina, y alcanzó dimensión internacional cuando Miles Davis lo convocó para el histórico álbum Live-Evil en 1970.

Hermeto no reconocía límites. Usaba la voz, los metales, los teclados, pero también teteras, agua, juguetes, el cuerpo humano. Todo era instrumento en su búsqueda incesante. Esa libertad radical lo llevó a crear obras de una complejidad técnica y una belleza inusual, capaces de conmover tanto al oyente popular, al melómano más erudito y al músico profesional.

En este homenaje póstumo que quiero compartir con ustedes, recorreremos su camino desde los primeros registros en los años sesenta hasta sus composiciones más recientes. No será sólo una sucesión de temas, sino un retrato sonoro de alguien que hizo de la música una manera de existir. Porque en la obra de Hermeto Pascoal cada nota es vida, cada improvisación es memoria, y cada silencio, también, está lleno de música.

El camino nos llevará también al encuentro con Count Basie, donde Ella se apoyó en el pulso inconfundible de su Big Band para alcanzar un fraseo más libre y rítmico. Con Joe Pass, en cambio, descubriremos otra dimensión: la intimidad absoluta entre voz y guitarra, un ejercicio de confianza y desnudez artística. La colaboración con Oscar Peterson, sólida y precisa, nos permitirá explorar terrenos armónicos más amplios, mientras que junto a André Previn encontraremos un diálogo refinado, casi camerístico, donde cada nota parecía meditada y necesaria.

Así, Ella Fitzgerald se nos revelará como una intérprete plural, capaz de reinventarse en cada compañía sin perder identidad. Su voz, siempre reconocible, a pesar del paso del tiempo, es el hilo conductor que nos invita a seguir descubriendo nuevas sendas en el vasto territorio del jazz.

El camino nos llevará también al encuentro con Count Basie, donde Ella se apoyó en el pulso inconfundible de su Big Band para alcanzar un fraseo más libre y rítmico. Con Joe Pass, en cambio, descubriremos otra dimensión: la intimidad absoluta entre voz y guitarra, un ejercicio de confianza y desnudez artística. La colaboración con Oscar Peterson, sólida y precisa, nos permitirá explorar terrenos armónicos más amplios, mientras que junto a André Previn encontraremos un diálogo refinado, casi camerístico, donde cada nota parecía meditada y necesaria.

Así, Ella Fitzgerald se nos revelará como una intérprete plural, capaz de reinventarse en cada compañía sin perder identidad. Su voz, siempre reconocible, a pesar del paso del tiempo, es el hilo conductor que nos invita a seguir descubriendo nuevas sendas en el vasto territorio del jazz.

Art Tatum fue un titán técnico y armónico, que transformó el piano jazz en un instrumento orquestal; escucharlo era asombrarse ante su genio. Erroll Garner, aún con menos formación formal, creó un lenguaje propio, más emocional y comunicativo, con un swing irresistible y una voz inconfundible.

Tatum tocaba para dejarte sin aliento; Garner, para hacerte sonreír o suspirar.

En esta sesión nos aproximaremos a sus afinidades y disidencias.

Art Tatum fue un titán técnico y armónico, que transformó el piano jazz en un instrumento orquestal; escucharlo era asombrarse ante su genio. Erroll Garner, aún con menos formación formal, creó un lenguaje propio, más emocional y comunicativo, con un swing irresistible y una voz inconfundible.

Tatum tocaba para dejarte sin aliento; Garner, para hacerte sonreír o suspirar.

En esta sesión nos aproximaremos a sus afinidades y disidencias.

Los músicos de jazz en ese periodo, la era dorada del jazz, se ganaban la vida tocando en clubes en los que, mientras se conjugaban los sonidos más excitantes del momento, se inundaban de humo, copas y jeringas hasta altas horas de la madrugada, por lo que convocarlos a esa hora era una empresa no tan sencilla.

Pero el propósito de Kane era dar cuenta de la efervescencia del jazz que ponía a Nueva York en el epicentro musical del mundo. Y fue así, que un 12 de agosto de 1958 a las 10 de la mañana, 57 músicos de jazz se reunieron en la vereda del número 17 de la calle 126 Este, del Harlem, en New York.

“A Great Day in Harlem” es también el nombre del documental que narra la historia detrás de esta fotografía, y que data del año 1994. Asimismo, esta fotografía es parte fundamental en la trama de la película “La Terminal”, del año 2004, donde Viktor Navorski (Tom Hanks), viaja a la “gran manzana” en busca del autógrafo de Benny Golson, el único de los 57 músicos que aún le faltaba conseguir.

En esta sesión de La Quinta Disminuida compartiré con ustedes veinte temas en los que incluiré a la mayor cantidad de músicos que fueron parte de esa histórica y mágica fotografía.

Los músicos de jazz en ese periodo, la era dorada del jazz, se ganaban la vida tocando en clubes en los que, mientras se conjugaban los sonidos más excitantes del momento, se inundaban de humo, copas y jeringas hasta altas horas de la madrugada, por lo que convocarlos a esa hora era una empresa no tan sencilla.

Pero el propósito de Kane era dar cuenta de la efervescencia del jazz que ponía a Nueva York en el epicentro musical del mundo. Y fue así, que un 12 de agosto de 1958 a las 10 de la mañana, 57 músicos de jazz se reunieron en la vereda del número 17 de la calle 126 Este, del Harlem, en New York.

“A Great Day in Harlem” es también el nombre del documental que narra la historia detrás de esta fotografía, y que data del año 1994. Asimismo, esta fotografía es parte fundamental en la trama de la película “La Terminal”, del año 2004, donde Viktor Navorski (Tom Hanks), viaja a la “gran manzana” en busca del autógrafo de Benny Golson, el único de los 57 músicos que aún le faltaba conseguir.

En esta sesión de La Quinta Disminuida compartiré con ustedes veinte temas en los que incluiré a la mayor cantidad de músicos que fueron parte de esa histórica y mágica fotografía.

Celebraremos el legado de Chuck Mangione, con su inconfundible sonido que convirtió el fliscorno en una voz universal de alegría y nostalgia; y Cleo Laine, la dama de la voz sin fronteras, que navegó con elegancia por el jazz, el pop y la música clásica, siempre fiel a su arte.

Ambos artistas nos enseñaron que la emoción no tiene límites cuando se expresa con autenticidad. Hoy, sus notas siguen flotando en el aire, tocando corazones y dejando huellas imborrables en la historia de la música.

Celebraremos el legado de Chuck Mangione, con su inconfundible sonido que convirtió el fliscorno en una voz universal de alegría y nostalgia; y Cleo Laine, la dama de la voz sin fronteras, que navegó con elegancia por el jazz, el pop y la música clásica, siempre fiel a su arte.

Ambos artistas nos enseñaron que la emoción no tiene límites cuando se expresa con autenticidad. Hoy, sus notas siguen flotando en el aire, tocando corazones y dejando huellas imborrables en la historia de la música.

Este mes de julio —el día 12, para ser exactos— este espacio dedicado al jazz cumple dieciocho años de transmisión ininterrumpida, desde la ciudad más cercana al cielo, esta ciudad suspendida en la altura, tan próxima al cielo como a los sueños.

Es una celebración compartida: mía, por haber tenido el privilegio de sostener este viaje sonoro semana tras semana, y de ustedes, cuya presencia fiel al otro lado de la radio ha dado sentido a cada emisión. Sin esa escucha atenta, sin esa complicidad silenciosa, este programa no habría encontrado razón para persistir en el tiempo.

Gracias por acompañarme en estos novecientos treinta y dos encuentros, que la música siga siendo el puente.

Este mes de julio —el día 12, para ser exactos— este espacio dedicado al jazz cumple dieciocho años de transmisión ininterrumpida, desde la ciudad más cercana al cielo, esta ciudad suspendida en la altura, tan próxima al cielo como a los sueños.

Es una celebración compartida: mía, por haber tenido el privilegio de sostener este viaje sonoro semana tras semana, y de ustedes, cuya presencia fiel al otro lado de la radio ha dado sentido a cada emisión. Sin esa escucha atenta, sin esa complicidad silenciosa, este programa no habría encontrado razón para persistir en el tiempo.

Gracias por acompañarme en estos novecientos treinta y dos encuentros, que la música siga siendo el puente.

En el ámbito cinematográfico, Schifrin aportó una estética moderna y rítmicamente compleja, con temas icónicos como el de Mission: Impossible, que se distinguen por el uso de métricas irregulares, orquestaciones no convencionales y una fuerte impronta jazzística. Su trabajo en Hollywood marcó un punto de inflexión en la manera de integrar el jazz a la narrativa audiovisual.

En el jazz, Schifrin fue pionero en el desarrollo de formatos híbridos, especialmente con su serie Jazz Meets the Symphony, donde diseñó estructuras formales amplias que permitieron la coexistencia de improvisación y escritura orquestal detallada. Su enfoque orquestal en el jazz se distancia del concepto de big band tradicional, incorporando recursos armónicos y texturales propios de la música académica del siglo XX.

Como arreglador y director musical, mostró gran eficiencia técnica y adaptabilidad, colaborando con músicos como Dizzy Gillespie, Ray Brown y Stan Getz. Su trabajo evidencia un conocimiento profundo del contrapunto, la armonía avanzada, la orquestación y la dirección de ensambles complejos.

En términos cuantificables, su producción incluye más de un centenar de bandas sonoras, decenas de discos propios y arreglos para múltiples artistas. Su influencia es reconocida tanto en círculos académicos como en la industria del entretenimiento. Schifrin dejó un modelo de profesionalización musical integral, donde la técnica, la adaptación estilística y la claridad estructural son elementos centrales de su aporte duradero. Este el homenaje póstumo de La Quinta Disminuida. 

En el ámbito cinematográfico, Schifrin aportó una estética moderna y rítmicamente compleja, con temas icónicos como el de Mission: Impossible, que se distinguen por el uso de métricas irregulares, orquestaciones no convencionales y una fuerte impronta jazzística. Su trabajo en Hollywood marcó un punto de inflexión en la manera de integrar el jazz a la narrativa audiovisual.

En el jazz, Schifrin fue pionero en el desarrollo de formatos híbridos, especialmente con su serie Jazz Meets the Symphony, donde diseñó estructuras formales amplias que permitieron la coexistencia de improvisación y escritura orquestal detallada. Su enfoque orquestal en el jazz se distancia del concepto de big band tradicional, incorporando recursos armónicos y texturales propios de la música académica del siglo XX.

Como arreglador y director musical, mostró gran eficiencia técnica y adaptabilidad, colaborando con músicos como Dizzy Gillespie, Ray Brown y Stan Getz. Su trabajo evidencia un conocimiento profundo del contrapunto, la armonía avanzada, la orquestación y la dirección de ensambles complejos.

En términos cuantificables, su producción incluye más de un centenar de bandas sonoras, decenas de discos propios y arreglos para múltiples artistas. Su influencia es reconocida tanto en círculos académicos como en la industria del entretenimiento. Schifrin dejó un modelo de profesionalización musical integral, donde la técnica, la adaptación estilística y la claridad estructural son elementos centrales de su aporte duradero. Este el homenaje póstumo de La Quinta Disminuida. 

Esta influencia se hace evidente en varias composiciones de Los Beatles. Un caso paradigmático es “Honey Pie”, del Álbum Blanco, que recrea el estilo de las Big Bands de los años 30 con un arreglo deliberadamente nostálgico y una estructura que evoca el music hall británico mezclado con jazz ligero. Otro ejemplo más sutil es “Michelle”, con su progresión armónica cromática y el uso de acordes menores con séptimas que remiten al lenguaje del jazz vocal francés.

En su carrera solista, y como lo hemos escuchado en esta sesión, McCartney exploró de manera más explícita esta afinidad en el álbum “Kisses on the Bottom” del 2012. En el que rinde homenaje al repertorio de standards del siglo XX, con arreglos jazzísticos elegantes y la colaboración de músicos como Diana Krall. Temas originales como “My Valentine” demuestran su dominio del estilo, al mezclar progresiones armónicas complejas con una melodía intimista que recuerda a los compositores de la era del swing.

Asimismo, su escritura para piano muestra frecuentemente recursos jazzísticos, como inversiones de acordes, modulaciones suaves y fraseos sincopados. Incluso en obras más contemporáneas, como algunas canciones de “Chaos and Creation in the Backyard” del 2005, se perciben sutilezas armónicas que remiten al jazz.

El jazz no solo fue una influencia formativa en McCartney, sino una corriente estilística que ha atravesado discretamente, silenciosa y sutilmente gran parte de su obra, aportándole riqueza, sofisticación y profundidad.

Esta influencia se hace evidente en varias composiciones de Los Beatles. Un caso paradigmático es “Honey Pie”, del Álbum Blanco, que recrea el estilo de las Big Bands de los años 30 con un arreglo deliberadamente nostálgico y una estructura que evoca el music hall británico mezclado con jazz ligero. Otro ejemplo más sutil es “Michelle”, con su progresión armónica cromática y el uso de acordes menores con séptimas que remiten al lenguaje del jazz vocal francés.

En su carrera solista, y como lo hemos escuchado en esta sesión, McCartney exploró de manera más explícita esta afinidad en el álbum “Kisses on the Bottom” del 2012. En el que rinde homenaje al repertorio de standards del siglo XX, con arreglos jazzísticos elegantes y la colaboración de músicos como Diana Krall. Temas originales como “My Valentine” demuestran su dominio del estilo, al mezclar progresiones armónicas complejas con una melodía intimista que recuerda a los compositores de la era del swing.

Asimismo, su escritura para piano muestra frecuentemente recursos jazzísticos, como inversiones de acordes, modulaciones suaves y fraseos sincopados. Incluso en obras más contemporáneas, como algunas canciones de “Chaos and Creation in the Backyard” del 2005, se perciben sutilezas armónicas que remiten al jazz.

El jazz no solo fue una influencia formativa en McCartney, sino una corriente estilística que ha atravesado discretamente, silenciosa y sutilmente gran parte de su obra, aportándole riqueza, sofisticación y profundidad.

Chick Corea tenía un vínculo muy especial con el ritual de la celebración musical, y su cumpleaños fue a menudo la ocasión para encuentros sonoros memorables, muchos de ellos fueron registrados, grabados y publicados en cds o dvds. En esta sesión compartiré con ustedes las presentaciones registradas en su cump0leaños número sesenta y setenta. Ya no pudo celebrar su cumpleaños número ochenta porque murió a los pocos meses de llegar al 12 de junio de 2021.

Chick Corea tenía un vínculo muy especial con el ritual de la celebración musical, y su cumpleaños fue a menudo la ocasión para encuentros sonoros memorables, muchos de ellos fueron registrados, grabados y publicados en cds o dvds. En esta sesión compartiré con ustedes las presentaciones registradas en su cump0leaños número sesenta y setenta. Ya no pudo celebrar su cumpleaños número ochenta porque murió a los pocos meses de llegar al 12 de junio de 2021.

Las reflexiones de las músicas entrevistadas ofrecen información emocional, filosófica y logística valiosa y accesible. “Mothers In Jazz” arroja luz sobre el papel tan específico de ser madre y artista activa del jazz. En total son cien entrevistas de las cuales seleccioné ocho para compartir con ustedes en esta sesión.

https://ukjazznews.com

Las reflexiones de las músicas entrevistadas ofrecen información emocional, filosófica y logística valiosa y accesible. “Mothers In Jazz” arroja luz sobre el papel tan específico de ser madre y artista activa del jazz. En total son cien entrevistas de las cuales seleccioné ocho para compartir con ustedes en esta sesión.

https://ukjazznews.com

El cuerpo de Stan Getz se apagó en Malibú el 6 de junio de 1991. Pero no murió como mueren los hombres comunes. Murió como mueren los músicos verdaderos: con su instrumento aún tibio, con el eco de su voz flotando en el aire. Murió habiendo dicho todo lo que tenía que decir, y diciéndolo bien, sin miedo, sin orgullo, con amor.

El cuerpo de Stan Getz se apagó en Malibú el 6 de junio de 1991. Pero no murió como mueren los hombres comunes. Murió como mueren los músicos verdaderos: con su instrumento aún tibio, con el eco de su voz flotando en el aire. Murió habiendo dicho todo lo que tenía que decir, y diciéndolo bien, sin miedo, sin orgullo, con amor.

Comenzó su carrera en el jazz, tocando con artistas como Joe Henderson y demostrando su habilidad técnica y su capacidad para improvisar. Su pasión por el jazz la llevó a crear música que era a la vez innovadora y auténtica, ganándose el respeto de la crítica y el público.

La importancia de Patrice Rushen radica en su capacidad para trascender los géneros y llegar a un público más amplio. Su música es un testimonio de su talento y su dedicación, y su legado continúa inspirando a generaciones de músicos y amantes de la música. Con su estilo único y su pasión por la música, Rushen ha dejado una marca indeleble en el mundo del jazz y el pop.

Comenzó su carrera en el jazz, tocando con artistas como Joe Henderson y demostrando su habilidad técnica y su capacidad para improvisar. Su pasión por el jazz la llevó a crear música que era a la vez innovadora y auténtica, ganándose el respeto de la crítica y el público.

La importancia de Patrice Rushen radica en su capacidad para trascender los géneros y llegar a un público más amplio. Su música es un testimonio de su talento y su dedicación, y su legado continúa inspirando a generaciones de músicos y amantes de la música. Con su estilo único y su pasión por la música, Rushen ha dejado una marca indeleble en el mundo del jazz y el pop.

Seis décadas después “A Love Supreme” es ampliamente considerado como uno de los álbumes más importantes jamás grabados. “A Love Supreme” tiene todos los reconocimientos: menciones constantes en listas de los mejores álbumes, preservación tanto en el Smithsonian como en el Registro Nacional de Grabaciones, y ventas de platino en los Estados Unidos. Sin embargo, el verdadero impacto del álbum es su enorme influencia en toda la música (no solo en el jazz) y en la gran cantidad de músicos que dedicaron un álbum completo en su discografía a esta obra maestra.

Seis décadas después “A Love Supreme” es ampliamente considerado como uno de los álbumes más importantes jamás grabados. “A Love Supreme” tiene todos los reconocimientos: menciones constantes en listas de los mejores álbumes, preservación tanto en el Smithsonian como en el Registro Nacional de Grabaciones, y ventas de platino en los Estados Unidos. Sin embargo, el verdadero impacto del álbum es su enorme influencia en toda la música (no solo en el jazz) y en la gran cantidad de músicos que dedicaron un álbum completo en su discografía a esta obra maestra.

Desde Scott Joplin y su ragtime, a Jelly Roll Morton, pasando por otros grandes pianistas del primer jazz como James P.Johnson, Fats Waller, o Mary Lou Wlliams, a genios del Bebop como Thelonious Monk, del jazz fusión como Chick Corea, o a intérpretes actuales como Carla Bley , Hiromi Uehara o Brad Mehldau, la historia de este género musical siempre ha estado ligado a este instrumento.

Con el paso de los años, al piano clásico se le han ido sumando otros teclados. Tal y como hicimos en nuestro artículo dedicado al mundo de los saxos, hoy nos introducimos en esos otros teclados, órganos y pianos que puedes ver y escuchar en un concierto de jazz: Órgano Hammond, Piano Rhodes y Sintetizador Moog.

Rudy de Juana (https://www.caravanjazz.es/)

Desde Scott Joplin y su ragtime, a Jelly Roll Morton, pasando por otros grandes pianistas del primer jazz como James P.Johnson, Fats Waller, o Mary Lou Wlliams, a genios del Bebop como Thelonious Monk, del jazz fusión como Chick Corea, o a intérpretes actuales como Carla Bley , Hiromi Uehara o Brad Mehldau, la historia de este género musical siempre ha estado ligado a este instrumento.

Con el paso de los años, al piano clásico se le han ido sumando otros teclados. Tal y como hicimos en nuestro artículo dedicado al mundo de los saxos, hoy nos introducimos en esos otros teclados, órganos y pianos que puedes ver y escuchar en un concierto de jazz: Órgano Hammond, Piano Rhodes y Sintetizador Moog.

Rudy De Juana (https://www.caravanjazz.es/)

En esta sesión me remitiré a leer algunos de los textos que acompañan los retratos que Haruki Murakami realiza de grandes maestros del jazz.

En esta sesión me remitiré a leer algunos de los textos que acompañan los retratos que Haruki Murakami realiza de grandes maestros del jazz.

“Cuba and Beyond”, la más reciente producción de Chucho Valdes y su Royal Quartet, no es solo un disco, es más bien un viaje vibrante a través del tiempo y el ritmo, una celebración de los 60 años de trayectoria musical de Chucho Valdés. Junto a sus compañeros de travesía, el maestro cubano nos invita a recorrer los senderos donde el jazz y la música afrocubana se encuentran, trazando un puente sonoro entre la tradición y la modernidad.

Por otra parte, con solo dos discos en su haber, la cantante de 24 años Samara Joy se ha consolidado como una de las voces más destacadas del jazz contemporáneo. Su éxito de público y crítica se refleja en un notable número de discos vendidos y premios ganados.

Su nuevo álbum, “Portrait”, busca documentar la relación cercana y casi telepática que ha desarrollado con su banda, compuesta en su mayoría por músicos que estudiaron con ella en el “Fordham High School for the Arts” de Nueva York.

“Cuba and Beyond”, la más reciente producción de Chucho Valdes y su Royal Quartet, no es solo un disco, es más bien un viaje vibrante a través del tiempo y el ritmo, una celebración de los 60 años de trayectoria musical de Chucho Valdés. Junto a sus compañeros de travesía, el maestro cubano nos invita a recorrer los senderos donde el jazz y la música afrocubana se encuentran, trazando un puente sonoro entre la tradición y la modernidad.

Por otra parte, con solo dos discos en su haber, la cantante de 24 años Samara Joy se ha consolidado como una de las voces más destacadas del jazz contemporáneo. Su éxito de público y crítica se refleja en un notable número de discos vendidos y premios ganados.

Su nuevo álbum, “Portrait”, busca documentar la relación cercana y casi telepática que ha desarrollado con su banda, compuesta en su mayoría por músicos que estudiaron con ella en el “Fordham High School for the Arts” de Nueva York.

La música está en todas partes, en todo lo que hacemos, en nuestro trabajo o tiempo libre, celebramos con ella y lloramos con ella, nos ayuda a recordar, y nos consuela cuando queremos olvidar, de hecho, es difícil imaginar una vida sin música.

Desde sus inicios, el ser humano ha estado cantando, bailando y tocando música. Pero ¿de donde viene esa música? ¿Para qué sirve? Bobby McFerrin dice que es una necesidad primaria, un alimento que hay para nosotros. Y debemos tocar, debemos cantar, debemos bailar, o de lo contrario nos morimos, el mundo cambia cuando hay música, si empieza a sonar música en una habitación el lugar se transforma, el espacio es diferente, no se ha cambiado el color de la habitación, ni se han cambiado de lugar los cuadros, pero al hacerse presente la música, este se convierte en un lugar diferente, y lo afecta enormemente.

La música está en todas partes, en todo lo que hacemos, en nuestro trabajo o tiempo libre, celebramos con ella y lloramos con ella, nos ayuda a recordar, y nos consuela cuando queremos olvidar, de hecho, es difícil imaginar una vida sin música.

Desde sus inicios, el ser humano ha estado cantando, bailando y tocando música. Pero ¿de donde viene esa música? ¿Para qué sirve? Bobby McFerrin dice que es una necesidad primaria, un alimento que hay para nosotros. Y debemos tocar, debemos cantar, debemos bailar, o de lo contrario nos morimos, el mundo cambia cuando hay música, si empieza a sonar música en una habitación el lugar se transforma, el espacio es diferente, no se ha cambiado el color de la habitación, ni se han cambiado de lugar los cuadros, pero al hacerse presente la música, este se convierte en un lugar diferente, y lo afecta enormemente.

Charlie Parker, Lee Morgan, Clifford Brown, Fats Navarro, Scott LaFaro, Eric Dolphy son algunos de los que serán protagonistas en esta sesión, músicos que iluminaron el firmamento del jazz con destellos brillantes, pero fugaces. En este programa exploraremos su legado, las circunstancias de su partida y la huella que dejaron en generaciones de músicos y oyentes. Para esta sesión, he seleccionado a algunos que dejaron este mundo antes de cumplir cuarenta años.  Acompáñenme en este viaje donde el tiempo se detiene y la música sigue sonando, porque, aunque se hayan ido demasiado jóvenes, su arte sigue vivo. 

Charlie Parker, Lee Morgan, Clifford Brown, Fats Navarro, Scott LaFaro, Eric Dolphy son algunos de los que serán protagonistas en esta sesión, músicos que iluminaron el firmamento del jazz con destellos brillantes, pero fugaces. En este programa exploraremos su legado, las circunstancias de su partida y la huella que dejaron en generaciones de músicos y oyentes. Para esta sesión, he seleccionado a algunos que dejaron este mundo antes de cumplir cuarenta años.  Acompáñenme en este viaje donde el tiempo se detiene y la música sigue sonando, porque, aunque se hayan ido demasiado jóvenes, su arte sigue vivo. 

En esta ocasión daré un enfoque diferente a los anteriores programas en los que abordé el concierto de Colonia; escucharemos solamente la parte I de ese concierto y luego tres temas de la grabación de un concierto de Jarrett que se publicó en noviembre del 2024 y en la segunda parte…un misterioso pianista.

En esta ocasión daré un enfoque diferente a los anteriores programas en los que abordé el concierto de Colonia; escucharemos solamente la parte I de ese concierto y luego tres temas de la grabación de un concierto de Jarrett que se publicó en noviembre del 2024 y en la segunda parte…un misterioso pianista.

En esta sesión, nos circunscribiremos a bateristas latinoamericanos vinculados al jazz, y para ello, he seleccionado algunos de los tantos que se pueden encontrar.

En esta sesión, nos circunscribiremos a bateristas latinoamericanos vinculados al jazz, y para ello, he seleccionado algunos de los tantos que se pueden encontrar.

Roy Haynes fue uno de los bateristas más influyentes y longevos en la historia del jazz, con una carrera que abarca más de siete décadas. Reconocido por su estilo único, su capacidad para adaptarse a diferentes corrientes del jazz y su espíritu innovador, Haynes ha trabajado con una impresionante lista de músicos legendarios, consolidándose como un ícono del jazz.

Roy Haynes fue uno de los bateristas más influyentes y longevos en la historia del jazz, con una carrera que abarca más de siete décadas. Reconocido por su estilo único, su capacidad para adaptarse a diferentes corrientes del jazz y su espíritu innovador, Haynes ha trabajado con una impresionante lista de músicos legendarios, consolidándose como un ícono del jazz.

Roy Haynes fue uno de los bateristas más influyentes y longevos en la historia del jazz, con una carrera que abarca más de siete décadas. Reconocido por su estilo único, su capacidad para adaptarse a diferentes corrientes del jazz y su espíritu innovador, Haynes ha trabajado con una impresionante lista de músicos legendarios, consolidándose como un ícono del jazz.

Como ya es una tradición en la quinta, los aniversarios, las celebraciones, las fechas especiales, preparo programas en los cuales ustedes son los protagonistas, y en esta ocasión, la celebración de novecientas quintas, cumpliré con esa tradición, pero con un añadido especial y diferente sugerido por una oyente del programa. Normalmente, cuando ustedes son protagonistas de la quinta, les solicito que me envíen un tema, un interprete o un estilo que deseen escuchar, en esta sesión, y gracias a la sugerencia recibida, fui algo más específico solicitándoles que elijan “un tema relacionado con la música de una película que haya sido importante, significativa o que les haya tocado y quede impresa en su recuerdo”.

Como ya es una tradición en la quinta, los aniversarios, las celebraciones, las fechas especiales, preparo programas en los cuales ustedes son los protagonistas, y en esta ocasión, la celebración de novecientas quintas, cumpliré con esa tradición, pero con un añadido especial y diferente sugerido por una oyente del programa. Normalmente, cuando ustedes son protagonistas de la quinta, les solicito que me envíen un tema, un interprete o un estilo que deseen escuchar, en esta sesión, y gracias a la sugerencia recibida, fui algo más específico solicitándoles que elijan “un tema relacionado con la música de una película que haya sido importante, significativa o que les haya tocado y quede impresa en su recuerdo”.

“Era verdaderamente único y lo echaremos de menos profundamente; nos reconforta y enorgullece enormemente saber que el amor y la alegría, que eran la esencia de su ser, fueron compartidos con el mundo a través de todo lo que creó. A través de su música y su amor sin límites, el corazón de Quincy Jones latirá por la eternidad”, comunicó su familia a través de las redes sociales.

Quincy Jones, fue una de las fuerzas más poderosas de la música popular durante más de medio siglo, descansa en jazz Q.

“Era verdaderamente único y lo echaremos de menos profundamente; nos reconforta y enorgullece enormemente saber que el amor y la alegría, que eran la esencia de su ser, fueron compartidos con el mundo a través de todo lo que creó. A través de su música y su amor sin límites, el corazón de Quincy Jones latirá por la eternidad”, comunicó su familia a través de las redes sociales.

Quincy Jones, fue una de las fuerzas más poderosas de la música popular durante más de medio siglo, descansa en jazz Q.

¿Cómo haríamos, sin embargo, para contarle cómo son nuestras emociones a un extraterrestre que llegara a la Tierra con un bagaje totalmente ajeno al de los humanos? ¿Cómo transmitirle a alguien así la forma en que experimentamos los afectos y las pasiones? ¿Cómo explicar qué se siente cuando uno está poseído por la ira o por el entusiasmo?

¿Cómo haríamos, sin embargo, para contarle cómo son nuestras emociones a un extraterrestre que llegara a la Tierra con un bagaje totalmente ajeno al de los humanos? ¿Cómo transmitirle a alguien así la forma en que experimentamos los afectos y las pasiones? ¿Cómo explicar qué se siente cuando uno está poseído por la ira o por el entusiasmo?

En esta sesión escucharemos estos standards que se llevan décadas de diferencia y no pierden su frescura.

En esta sesión escucharemos estos standards que se llevan décadas de diferencia y no pierden su frescura.

1. What Game Shall We Play Today - Return To Forever

2. La Fiesta       - Return To Forever

3. Captain Marvel - Light As A Feather

4. Spain - Light As A Feather

5. Hymn Of The 7th Galaxy - Hymn Of The 7th Galaxy

6. Space Circus Part I & II - Hymn Of The 7th Galaxy

7. Vulcan Worlds - Where Have I Known You Before

8. Earth Juice - Where Have I Known You Before

9. No Mystery - No Mystery

10.                 Celebration Suite Part I & II - No Mystery

11.                 Medieval Overture - Romantic Warrior

12.                 Romantic Warrior - Romantic Warrior

13.                 The Musician - Musicmagic

14.                 Do You Ever - Musicmagic

1. What Game Shall We Play Today - Return To Forever

2. La Fiesta       - Return To Forever

3. Captain Marvel - Light As A Feather

4. Spain - Light As A Feather

5. Hymn Of The 7th Galaxy - Hymn Of The 7th Galaxy

6. Space Circus Part I & II - Hymn Of The 7th Galaxy

7. Vulcan Worlds - Where Have I Known You Before

8. Earth Juice - Where Have I Known You Before

9. No Mystery - No Mystery

10.                 Celebration Suite Part I & II - No Mystery

11.                 Medieval Overture - Romantic Warrior

12.                 Romantic Warrior - Romantic Warrior

13.                 The Musician - Musicmagic

14.                 Do You Ever - Musicmagic

 Contar historias es una manera de mantener viva la verdad de la memoria y, fundamentalmente, de dar vuelo y dignificar nuestras mejores mentiras.

 Contar historias es una manera de mantener viva la verdad de la memoria y, fundamentalmente, de dar vuelo y dignificar nuestras mejores mentiras.

Al momento de su fallecimiento, Sérgio Mendes estaba acompañado de su esposa, Gracinha Leporace y los hijos de la pareja. El comunicado de la familia destaca el perfil internacional del artista, quien actuó en directo por última vez en noviembre de 2023 en conciertos celebrados en París, Londres y Barcelona.

Outra Vez - Sérgio Mendes

Nica´s Dream - Sérgio Mendes

Menina Feia - Herbie Mann/Sérgio Mendes

Blues Walk - Herbie Mann/Sérgio Mendes

Clouds - Cannonball Adderley/Sérgio Mendes

Sambop - Cannonball Adderley/Sérgio Mendes

Muito a Vondade - Sérgio Mendes

Con'Solacao - Sérgio Mendes

Primavera - Sérgio Mendes

Maria Moita - Sérgio Mendes

The Girl From Ipanema - Sérgio Mendes

Mais Que Nada - Sérgio Mendes

Going Out Of My Head - Sérgio Mendes

Lapinha - Sérgio Mendes

Tonga - Sérgio Mendes

Zanzibar - Sérgio Mendes

Promise of a Fisherman - Sérgio Mendes

Waters Of March - Sérgio Mendes

Davy - Sérgio Mendes

If I Ever Lose This Heaven - Sérgio Mendes

Aquelas Coisas Todas - Sérgio Mendes

Cinamon and Clove (Cravo e Canela) - Sérgio Mendes

A Tristeza do Adeus - Sérgio Mendes/Gerry Mulligan

Al momento de su fallecimiento, Sérgio Mendes estaba acompañado de su esposa, Gracinha Leporace y los hijos de la pareja. El comunicado de la familia destaca el perfil internacional del artista, quien actuó en directo por última vez en noviembre de 2023 en conciertos celebrados en París, Londres y Barcelona.

Outra Vez - Sérgio Mendes

Nica´s Dream - Sérgio Mendes

Menina Feia - Herbie Mann/Sérgio Mendes

Blues Walk - Herbie Mann/Sérgio Mendes

Clouds - Cannonball Adderley/Sérgio Mendes

Sambop - Cannonball Adderley/Sérgio Mendes

Muito a Vondade - Sérgio Mendes

Con'Solacao - Sérgio Mendes

Primavera - Sérgio Mendes

Maria Moita - Sérgio Mendes

The Girl From Ipanema - Sérgio Mendes

Mais Que Nada - Sérgio Mendes

Going Out Of My Head - Sérgio Mendes

Lapinha - Sérgio Mendes

Tonga - Sérgio Mendes

Zanzibar - Sérgio Mendes

Promise of a Fisherman - Sérgio Mendes

Waters Of March - Sérgio Mendes

Davy - Sérgio Mendes

If I Ever Lose This Heaven - Sérgio Mendes

Aquelas Coisas Todas - Sérgio Mendes

Cinamon and Clove (Cravo e Canela) - Sérgio Mendes

A Tristeza do Adeus - Sérgio Mendes/Gerry Mulligan

Con esa contundencia y convicción, el sello Blue Note plasma la que sería una declaración que resume a la perfección lo que pretendía llevar a cabo en 1939. Su mensaje ha permanecido en la empresa desde entonces y, aún hoy en día, lo transmite Don Was, el Presidente de la discográfica en el siglo XXI.

• Two And Fews - Albert Ammons/Meade "Lux" Lewis
• Summertime - Sidney Bechet
• Round Midnight - Thelonious Monk
• Tempus Fugit - Miles Davis
• Gary's Notebook - Lee Morgan
• Jazz - Bobby Hutcherson
• Looking Up - Michel Petrucciani
• S.C.O. - John Scofield/Pat Metheny
• Traveling Miles - Cassandra Wilson
• You Don't Know What Love Is - Kurt Elling
• Tail Feathers - Ron Carter
• Flow Part I - Terence Blanchard
• Downtime - Robert Glasper
• Lonesome Lover - Gregory Porter
• It's A Wonderful Time For Love - Norah Jones
• LLL - Johnathan Blake
• Damunt De Tu Només Les Flors - Gerald Clayton/Maro

Con esa contundencia y convicción, el sello Blue Note plasma la que sería una declaración que resume a la perfección lo que pretendía llevar a cabo en 1939. Su mensaje ha permanecido en la empresa desde entonces y, aún hoy en día, lo transmite Don Was, el Presidente de la discográfica en el siglo XXI.

• Two And Fews - Albert Ammons/Meade "Lux" Lewis
• Summertime - Sidney Bechet
• Round Midnight - Thelonious Monk
• Tempus Fugit - Miles Davis
• Gary's Notebook - Lee Morgan
• Jazz - Bobby Hutcherson
• Looking Up - Michel Petrucciani
• S.C.O. - John Scofield/Pat Metheny
• Traveling Miles - Cassandra Wilson
• You Don't Know What Love Is - Kurt Elling
• Tail Feathers - Ron Carter
• Flow Part I - Terence Blanchard
• Downtime - Robert Glasper
• Lonesome Lover - Gregory Porter
• It's A Wonderful Time For Love - Norah Jones
• LLL - Johnathan Blake
• Damunt De Tu Només Les Flors - Gerald Clayton/Maro

Peter Gunn - Original Soundtrack

Peter Gunn - Shelly Manne

Peter Gunn - Sarah Vaughan

Peter Gunn - Quincy Jones

Moon River - Audrey Hepburn

Moon River - Original Soundtrack

Moon River - Louis Armstrong

Moon River - Melody Gardot

Day Of Wine and Roses - Original Soundtrack

Day Of Wine and Roses - Frank Sinatra

Day Of Wine and Roses - Mark Turner/Brad Mehldau

Day Of Wine and Roses - Wes Montgomery

The Pink Panther - Original Soundtrack

The Pink Panther - James Moody

The Pink Panther - Bobby McFerrin

The Pink Panther - Ernesto "Netico" Nuñez

Charade - Original Soundtrack

Charade - Johnny Hartman

Charade - Steve Kuhn

Charade - Nicola Conte

Two For The Road - Original Soundtrack

Two For The Road - Marian McPartland

Two For The Road - Pat Metheny/Charlie Haden

Two For The Road - Maxine Sullivan

Peter Gunn - Original Soundtrack

Peter Gunn - Shelly Manne

Peter Gunn - Sarah Vaughan

Peter Gunn - Quincy Jones

Moon River - Audrey Hepburn

Moon River - Original Soundtrack

Moon River - Louis Armstrong

Moon River - Melody Gardot

Day Of Wine and Roses - Original Soundtrack

Day Of Wine and Roses - Frank Sinatra

Day Of Wine and Roses - Mark Turner/Brad Mehldau

Day Of Wine and Roses - Wes Montgomery

The Pink Panther - Original Soundtrack

The Pink Panther - James Moody

The Pink Panther - Bobby McFerrin

The Pink Panther - Ernesto "Netico" Nuñez

Charade - Original Soundtrack

Charade - Johnny Hartman

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Charade - Nicola Conte

Two For The Road - Original Soundtrack

Two For The Road - Marian McPartland

Two For The Road - Pat Metheny/Charlie Haden

Two For The Road - Maxine Sullivan

La sesión de hoy girará alrededor del tema “Jazz y Religión”, que no significará una presentación filosófica ni académica al respecto. Escucharemos a fundamentales músicos del jazz que están fuertemente influenciados por alguna religión o movimiento espiritual, que, muchas veces, aromatiza su propuesta musical con estas enseñanzas.

You're Everything - Chick Corea

Queen Tedmur - Chick Corea

Toys - Herbie Hancock´s Mwandishi Sextet

Aung San Suu Kyi - Herbie Hancock/Wayne Shorter

Sanctuary - Mahavishnu Orchestra

Baba - John McLaughlin

Nanu - Chucho Valdes

A Love Supreme - John Coltrane

Search For Peace - John Patitucci

Living Hope - Lagrene/DiPiazza/Chambers

The Thin Man - Art Blakey's Messengers

The Golden Flute - Yusef Lateef

The Man I Love - Benny Goodman

Amethyst - Avishai Cohen

The Big Green Serpent - Miles Davis

La sesión de hoy girará alrededor del tema “Jazz y Religión”, que no significará una presentación filosófica ni académica al respecto. Escucharemos a fundamentales músicos del jazz que están fuertemente influenciados por alguna religión o movimiento espiritual, que, muchas veces, aromatiza su propuesta musical con estas enseñanzas.

You're Everything - Chick Corea

Queen Tedmur - Chick Corea

Toys - Herbie Hancock´s Mwandishi Sextet

Aung San Suu Kyi - Herbie Hancock/Wayne Shorter

Sanctuary - Mahavishnu Orchestra

Baba - John McLaughlin

Nanu - Chucho Valdes

A Love Supreme - John Coltrane

Search For Peace - John Patitucci

Living Hope - Lagrene/DiPiazza/Chambers

The Thin Man - Art Blakey's Messengers

The Golden Flute - Yusef Lateef

The Man I Love - Benny Goodman

Amethyst - Avishai Cohen

The Big Green Serpent - Miles Davis

En el film, el saxofonista tenor Dexter Gordon, sin ninguna experiencia anterior en la gran pantalla, transformado en actor protagonista, da vida a Dale Turner un saxofonista alcohólico y drogadicto, que se autoexilia y refugia en Europa, no ya en busca del éxito y el aplauso, sino de la mera supervivencia y de la dignidad humana.

En esta sesión escucharemos la música original de esa película, recopilada en dos discos: el que presenta la banda sonora original “Original Motion Picture Soundtrack” Round Midnight y también el disco “The Other Side of Round Midnight”.

Round Midnight

Body and Soul

Fair Weather

Una Noche con Francis

The Peacocks

How Long Has This Been Going On?

Rhythm-a-Ning

Still Time

Minuit aux Champs-Elysées

Chan's Song

Round Midnight

Berangere's Nightmare #2

Call Sheet Blues

What Is This Thing Called Love?

Tivoli

Society Red

As Time Goes By

En el film, el saxofonista tenor Dexter Gordon, sin ninguna experiencia anterior en la gran pantalla, transformado en actor protagonista, da vida a Dale Turner un saxofonista alcohólico y drogadicto, que se autoexilia y refugia en Europa, no ya en busca del éxito y el aplauso, sino de la mera supervivencia y de la dignidad humana.

En esta sesión escucharemos la música original de esa película, recopilada en dos discos: el que presenta la banda sonora original “Original Motion Picture Soundtrack” Round Midnight y también el disco “The Other Side of Round Midnight”.

Round Midnight

Body and Soul

Fair Weather

Una Noche con Francis

The Peacocks

How Long Has This Been Going On?

Rhythm-a-Ning

Still Time

Minuit aux Champs-Elysées

Chan's Song

Round Midnight

Berangere's Nightmare #2

Call Sheet Blues

What Is This Thing Called Love?

Tivoli

Society Red

As Time Goes By

Tryin' Times

Love For Sale

Lover, Come Back To Me

Don´t Explain

Cry Me a River

Why Don´t You Do Right?

Summertime

Mr. Paganini

Lullaby of Birdland

I Loves You Porgy

Someone To Watch Over Me

Night And Day

Tryin' Times

Love For Sale

Lover, Come Back To Me

Don´t Explain

Cry Me a River

Why Don´t You Do Right?

Summertime

Mr. Paganini

Lullaby of Birdland

I Loves You Porgy

Someone To Watch Over Me

Night And Day

Baubles, Bangles, and Beads - Wes Montgomery

Antonico - Gato Barbieri

Metroliner - Michal Urbaniak

Timeline - Michael Brecker

Summer Song - Yellow Jackets

La Pequeña Historia de… - Dino Saluzzi

Safety Shoes - Kirk Knuffke

You Must Believe In Spring - Bill Evans/Tony Bennett

I'm Through With Love - Keith Jarret

Limbo Jazz - Wynton Marsalis/Sachal Jazz Ensemble

Final Frontier - Chick Corea Elektric Band 2

What a Wonderful World - Louis Armstrong

The Challenge - Roy Hargrove

We Will Meet Again - Bill Evans

River Man - Brad Mehldau Trio

101 Eastbound - Fourplay

Mr. Paganini - Ella Fitzgerald

La Culpable - The Tiahuanacu Brass

Baubles, Bangles, and Beads - Wes Montgomery

Antonico - Gato Barbieri

Metroliner - Michal Urbaniak

Timeline - Michael Brecker

Summer Song - Yellow Jackets

La Pequeña Historia de… - Dino Saluzzi

Safety Shoes - Kirk Knuffke

You Must Believe In Spring - Bill Evans/Tony Bennett

I'm Through With Love - Keith Jarret

Limbo Jazz - Wynton Marsalis/Sachal Jazz Ensemble

Final Frontier - Chick Corea Elektric Band 2

What a Wonderful World - Louis Armstrong

The Challenge - Roy Hargrove

We Will Meet Again - Bill Evans

River Man - Brad Mehldau Trio

101 Eastbound - Fourplay

Mr. Paganini - Ella Fitzgerald

La Culpable - The Tiahuanacu Brass

Elvin (Sir) Jones - McCoy Tyner Trio

I Cover The Waterfront - Joe Pass

Let´s Fall In Love - Diana Krall

Sailing Alone - Casiopea

2 Rue Corneille - Pablo Murgier Ensemble

Encantados - Amaro Freitas

Feel Like Making Love - Bob James

With A Song In My Heart - Chet Baker

Dynamo - Ahmad Jamal

After The Door - Kurt Elling

And I love Her - Pat Metheny

Peace Piece - Bill Evans

Go Back - Damon Albarn

Man Of Words - Booker Little

Alegria - Gerry Weil

Moonlight Sonata - Marcus Miller

Elvin (Sir) Jones - McCoy Tyner Trio

I Cover The Waterfront - Joe Pass

Let´s Fall In Love - Diana Krall

Sailing Alone - Casiopea

2 Rue Corneille - Pablo Murgier Ensemble

Encantados - Amaro Freitas

Feel Like Making Love - Bob James

With A Song In My Heart - Chet Baker

Dynamo - Ahmad Jamal

After The Door - Kurt Elling

And I love Her - Pat Metheny

Peace Piece - Bill Evans

Go Back - Damon Albarn

Man Of Words - Booker Little

Alegria - Gerry Weil

Moonlight Sonata - Marcus Miller

September Song - Chet Baker

Take The Coltrane - John Mclaughlin

In a Sentimental Mood - Duke Ellington

If I Should Lose You - Charlie Parker

Stormy Monday Blues - Vi Reed

The Shadow Of Your Smile - Bill Charlap

Take Five - Dave Brubeck

Armando´s Rhumba - Chick Corea/Eliane Elias

Blues in F - Chick Corea/Stefano Bollani

Fukuoka Blues - Chick Corea/Makoto Ozone

Spain - Chick Corea/Gonzalo Rubalcaba

The Fool On The Hill - Chick Corea/Hiromi Uehara

Liza - Chick Corea/Herbie Hancock

September Song - Chet Baker

Take The Coltrane - John Mclaughlin

In a Sentimental Mood - Duke Ellington

If I Should Lose You - Charlie Parker

Stormy Monday Blues - Vi Reed

The Shadow Of Your Smile - Bill Charlap

Take Five - Dave Brubeck

Armando´s Rhumba - Chick Corea/Eliane Elias

Blues in F - Chick Corea/Stefano Bollani

Fukuoka Blues - Chick Corea/Makoto Ozone

Spain - Chick Corea/Gonzalo Rubalcaba

The Fool On The Hill - Chick Corea/Hiromi Uehara

Liza - Chick Corea/Herbie Hancock

Alfonsina y el Mar - Cecile McLorin Salvant

Pannonica - Thelonious Monk

My Funny Valentine - Chet baker

So What - Miles Davis

There Is No Greater Love - Amy Winehouse

I Love Paris - Charlie Parker

Strange Fruit - Billie Holiday

Anos Dourados - Antonio Carlos Jobim/Chico Buarque

Agua de Beber - Antonio Carlos Jobim/Vinicius de Moraes

Waltz For Debby - Bill Evans/Cannonball Adderley

Remember - Mike Stern/Eric Johnson

Percecuta - Astor Piazzolla

Adios Nonino - Astor Piazzolla

I Keep Forgettin' (Every Time You're Near) - Michael McDonald

Alfonsina y el Mar - Cecile McLorin Salvant

Pannonica - Thelonious Monk

My Funny Valentine - Chet baker

So What - Miles Davis

There Is No Greater Love - Amy Winehouse

I Love Paris - Charlie Parker

Strange Fruit - Billie Holiday

Anos Dourados - Antonio Carlos Jobim/Chico Buarque

Agua de Beber - Antonio Carlos Jobim/Vinicius de Moraes

Waltz For Debby - Bill Evans/Cannonball Adderley

Remember - Mike Stern/Eric Johnson

Percecuta - Astor Piazzolla

Adios Nonino - Astor Piazzolla

I Keep Forgettin' (Every Time You're Near) - Michael McDonald

Quería ser la primera concertista de piano negra, pero la sociedad norteamericana racista no se lo permitió. Buscando otros rumbos en la música se decantó por el jazz, el blues y por supuesto el soul, Nina Simone se convirtió en uno de los nombres más importantes y más rabiosos de la música popular norteamericana: era capaz de todo, desde Gerswhin hasta el folk, desde Bach hasta Ellington, y todo lo hacía con una intensidad y un desamparo únicos, que su estación natural la llevó a la radicalización política, los problemas psiquiátricos, la violencia doméstica y en su último tramo la soledad.

"Moriré a los setenta años, porque después solo hay dolor", había profetizado una mujer que conoció los extremos de la gloria y la miseria, de la felicidad y el dolor, que estuvo sometida a los vaivenes de la fama y marcada por una personalidad llena de aristas y contradicciones. 

Quería ser la primera concertista de piano negra, pero la sociedad norteamericana racista no se lo permitió. Buscando otros rumbos en la música se decantó por el jazz, el blues y por supuesto el soul, Nina Simone se convirtió en uno de los nombres más importantes y más rabiosos de la música popular norteamericana: era capaz de todo, desde Gerswhin hasta el folk, desde Bach hasta Ellington, y todo lo hacía con una intensidad y un desamparo únicos, que su estación natural la llevó a la radicalización política, los problemas psiquiátricos, la violencia doméstica y en su último tramo la soledad.

"Moriré a los setenta años, porque después solo hay dolor", había profetizado una mujer que conoció los extremos de la gloria y la miseria, de la felicidad y el dolor, que estuvo sometida a los vaivenes de la fama y marcada por una personalidad llena de aristas y contradicciones. 

Imaginary Voyage (Pt. I) - Jean Luc Ponty

Temple of Olympic Zeus - Eric Alexander

Persephone - Patricia Barber

Morpheus - Patricia Barber

Apollo - Kendrick Scott

Cupido - Maria Rita

Battle of Apollo and Dionysus - Barry Stephenson

Imaginary Voyage (Pt. II) - Jean Luc Ponty

Eurydice - Weather Report

Pandora Awakened - Wayne Shorter

Icarus - Gary Burton/Ralph Towner

Minotauro - Antonio Sanchez

Medusa - Antonio Sanchez

Terpsichore - Bob James/Earl Klugh

Imaginary Voyage (Pt. I) - Jean Luc Ponty

Temple of Olympic Zeus - Eric Alexander

Persephone - Patricia Barber

Morpheus - Patricia Barber

Apollo - Kendrick Scott

Cupido - Maria Rita

Battle of Apollo and Dionysus - Barry Stephenson

Imaginary Voyage (Pt. II) - Jean Luc Ponty

Eurydice - Weather Report

Pandora Awakened - Wayne Shorter

Icarus - Gary Burton/Ralph Towner

Minotauro - Antonio Sanchez

Medusa - Antonio Sanchez

Terpsichore - Bob James/Earl Klugh

“Los músicos de jazz no se unieron al movimiento de los derechos civiles que marcó la década de los sesenta; fue el movimiento de los derechos civiles que se unió a ellos”, aseguró a la BBC el crítico y escritor de jazz Stanley Crouch. En 1959, Miles Davis, John Coltrane, Charles Mingus, Ornette Coleman, Dave Brubeck y muchos más, le mostraban al género su futuro y evolución musical. Y desde la música, estas creaciones que integraron talentos blancos y negros proyectaron una cara vanguardista de la integración racial.

“Los músicos de jazz no se unieron al movimiento de los derechos civiles que marcó la década de los sesenta; fue el movimiento de los derechos civiles que se unió a ellos”, aseguró a la BBC el crítico y escritor de jazz Stanley Crouch. En 1959, Miles Davis, John Coltrane, Charles Mingus, Ornette Coleman, Dave Brubeck y muchos más, le mostraban al género su futuro y evolución musical. Y desde la música, estas creaciones que integraron talentos blancos y negros proyectaron una cara vanguardista de la integración racial.

Para esta sesión de La Quinta Disminuida, he escogido 6 de esos 250 temas, con algunas características que acoten un poco la elección; todos son temas románticos, profundos, dedicados por sus compositores (seguramente) a la mujer amada. Así que pónganse cómodos y en lo posible acompañen esta sesión con una copa de vino (tinto) o cualquier otra bebida espirituosa que nos permita en cada tema, recordar, viajar o transportarnos a ese lugar que cada uno ha elegido como su preferido, en compañía de estas: Baladas Imprescindibles.

Para esta sesión de La Quinta Disminuida, he escogido 6 de esos 250 temas, con algunas características que acoten un poco la elección; todos son temas románticos, profundos, dedicados por sus compositores (seguramente) a la mujer amada. Así que pónganse cómodos y en lo posible acompañen esta sesión con una copa de vino (tinto) o cualquier otra bebida espirituosa que nos permita en cada tema, recordar, viajar o transportarnos a ese lugar que cada uno ha elegido como su preferido, en compañía de estas: Baladas Imprescindibles.

¡Salud!

¡Salud!

Para esta sesión acotaré el ámbito musical geográfica, instrumental y generacionalmente. En la primera parte escucharemos a tres guitarristas ingleses y en la segunda, el plato fuerte del programa, a un jovencísimo guitarrista italiano.

Para esta sesión acotaré el ámbito musical geográfica, instrumental y generacionalmente. En la primera parte escucharemos a tres guitarristas ingleses y en la segunda, el plato fuerte del programa, a un jovencísimo guitarrista italiano.

1. Uno es negro y el otro blanco.
2. Se llevaban una diferencia de edad de
3. solamente un poquito más de cuatro meses.
4. Ambos eran norteamericanos, uno nació en
5. Carolina del Norte y el otro en Pensylvania.
6. Uno de ellos murió a los 40 años y el otro a
7. los 64.
8. Ambos estuvieron vinculados a las drogas y al
9. alcohol.
10. Ambos murieron de cáncer hepático.
11. Uno comenzó su carrera musical muy joven, a
12. los 15 años, el otro después de los 20.

Pero si en algo eran completamente diferentes era en su sonido. Ustedes lo comprobaran en la sesión de hoy.

1. Uno es negro y el otro blanco.
2. Se llevaban una diferencia de edad de
3. solamente un poquito más de cuatro meses.
4. Ambos eran norteamericanos, uno nació en
5. Carolina del Norte y el otro en Pensylvania.
6. Uno de ellos murió a los 40 años y el otro a
7. los 64.
8. Ambos estuvieron vinculados a las drogas y al
9. alcohol.
10. Ambos murieron de cáncer hepático.
11. Uno comenzó su carrera musical muy joven, a
12. los 15 años, el otro después de los 20.

Pero si en algo eran completamente diferentes era en su sonido. Ustedes lo comprobaran en la sesión de hoy.

Podría considerarse una estrategia comercial de mercadotecnia, pero la historia de su larga gestación sugiere lo contrario. Dentro de la historia de “Love Me Do” hasta “Now and Then” está la historia de amor de John Lennon y Paul McCartney, que también podría ser la nuestra.

En esta sesión de La Quinta Disminuida, escucharemos las diferentes opiniones sobre la pertinencia o no de la publicación de este tema, combinada, con versiones jazzeras de la discografía de los Beatles.

Podría considerarse una estrategia comercial de mercadotecnia, pero la historia de su larga gestación sugiere lo contrario. Dentro de la historia de “Love Me Do” hasta “Now and Then” está la historia de amor de John Lennon y Paul McCartney, que también podría ser la nuestra.

En esta sesión de La Quinta Disminuida, escucharemos las diferentes opiniones sobre la pertinencia o no de la publicación de este tema, combinada, con versiones jazzeras de la discografía de los Beatles.

Después de esas, chistosas, geniales, anecdóticas, tristes y variopintas historias de los protagonistas del jazz, vamos a dedicar la última media hora del programa a un magnifico texto escrito por mi amigo Manuel Recio, conocido también como Manu Groveeman que en su blog “La Música es mi Amante” dedica una de sus entradas a un texto fantástico titulado ”Historias de Voodoo y Jazz”.

Después de esas, chistosas, geniales, anecdóticas, tristes y variopintas historias de los protagonistas del jazz, vamos a dedicar la última media hora del programa a un magnifico texto escrito por mi amigo Manuel Recio, conocido también como Manu Groveeman que en su blog “La Música es mi Amante” dedica una de sus entradas a un texto fantástico titulado ”Historias de Voodoo y Jazz”.

Pensar en el saxo es sin embargo, pensar en una familia de instrumentos bastante amplia. De hecho, en este caso hablamos de dos familias. Una familia orquestal con instrumentos afinados en do y fa, y la familia de banda militar en mi bemol y si bemol. Cada familia constaba de un sopranino, un soprano, un alto, un tenor, un barítono, un bajo y un contrabajo. De todos estos, tres son los que han acabado utilizándose en el mundo del jazz: tenor, alto y soprano.

De los tres, el saxo tenor es el más utilizado por los músicos de jazz. Afinado en si bemol, es un saxo que destaca por la calidad y la profundidad de sus sonidos graves, a la vez que «sufre» en los tonos más agudos, que pueden resultar demasiado penetrantes.

Pensar en el saxo es sin embargo, pensar en una familia de instrumentos bastante amplia. De hecho, en este caso hablamos de dos familias. Una familia orquestal con instrumentos afinados en do y fa, y la familia de banda militar en mi bemol y si bemol. Cada familia constaba de un sopranino, un soprano, un alto, un tenor, un barítono, un bajo y un contrabajo. De todos estos, tres son los que han acabado utilizándose en el mundo del jazz: tenor, alto y soprano.

De los tres, el saxo tenor es el más utilizado por los músicos de jazz. Afinado en si bemol, es un saxo que destaca por la calidad y la profundidad de sus sonidos graves, a la vez que «sufre» en los tonos más agudos, que pueden resultar demasiado penetrantes.

Lee Morgan tenía un estilo único cuya técnica logró ensombrecer a los más importantes trompetistas de su época. Comenzó como profesional siendo apenas un adolescente, por lo que no tuvo más remedio que acostumbrarse a la vida bohemia de los ambientes nocturnos del mundo del jazz. Era un músico sin fisuras, con un sonido demoledor y huracanado en los temas rápidos, y relajado, pero con absoluta solvencia, en los temas lentos. El sonido de la trompeta de Morgan ha quedado como una huella irrepetible en las grabaciones que realizó a lo largo de su carrera. Su temprana muerte privó al jazz, seguramente, de un príncipe cuyo estilo e influencia se hizo manifiesta en las siguientes generaciones de trompetistas de las décadas de los años setenta, ochenta y noventa.

Lee Morgan tenía un estilo único cuya técnica logró ensombrecer a los más importantes trompetistas de su época. Comenzó como profesional siendo apenas un adolescente, por lo que no tuvo más remedio que acostumbrarse a la vida bohemia de los ambientes nocturnos del mundo del jazz. Era un músico sin fisuras, con un sonido demoledor y huracanado en los temas rápidos, y relajado, pero con absoluta solvencia, en los temas lentos. El sonido de la trompeta de Morgan ha quedado como una huella irrepetible en las grabaciones que realizó a lo largo de su carrera. Su temprana muerte privó al jazz, seguramente, de un príncipe cuyo estilo e influencia se hizo manifiesta en las siguientes generaciones de trompetistas de las décadas de los años setenta, ochenta y noventa.

Ignis Trio es un grupo de Jazz experimental, formado en el verano de 2022, en la ciudad chilena de Temuco. Con fuerte inspiración en las músicas del sur de ese país, convergiendo en una propuesta jazzera.  

Ignis Trío cumple su primer aniversario presentando un trabajo de estudio bajo el nombre homónimo, con una propuesta de jazz con mirada hacia lo local. 

Luis Felipe Medina (Guitarra y composiciones), Diego Vallejos (Contrabajo) y Felipe Maurelia (batería) han dado forma a un EP que concentra la recopilación de temas parte de su repertorio.

Ignis Trio es un grupo de Jazz experimental, formado en el verano de 2022, en la ciudad chilena de Temuco. Con fuerte inspiración en las músicas del sur de ese país, convergiendo en una propuesta jazzera.  

Ignis Trío cumple su primer aniversario presentando un trabajo de estudio bajo el nombre homónimo, con una propuesta de jazz con mirada hacia lo local. 

Luis Felipe Medina (Guitarra y composiciones), Diego Vallejos (Contrabajo) y Felipe Maurelia (batería) han dado forma a un EP que concentra la recopilación de temas parte de su repertorio.

Alrededor de esta historia girará la sesión de hoy.

Esta es la historia alrededor de la cual girará la sesión de hoy.

(El Jazz, de Nueva Orleans a los años ochenta - Joachim E. Berendt)

(El Jazz, de Nueva Orleans a los años ochenta - Joachim E. Berendt)

En esta sesión escucharemos composiciones de los grandes maestros de la música de tradición escrita interpretadas por maestros del jazz.

En esta sesión escucharemos composiciones de los grandes maestros de la música de tradición escrita interpretadas por maestros del jazz.

En esta sesión escuchemos a ambos maestros en una especie de mano a mano, sin el más mínimo afán de compararlos – porque no son comparables – simplemente escuchando temas de uno y de otro, y tratando de encontrar algunas coincidencias en su caminar por la música.

En esta sesión escuchemos a ambos maestros en una especie de mano a mano, sin el más mínimo afán de compararlos – porque no son comparables – simplemente escuchando temas de uno y de otro, y tratando de encontrar algunas coincidencias en su caminar por la música.

Muchas veces escucho a algunas personas comentar que el jazz es una música difícil de escuchar, muy sofisticada, muy compleja y hasta manifiestan que es muy pesada. Seguro que en algunos casos tienen razón, depende de lo que escuchen y cuan habituados están a escuchar jazz. Hoy quiero compartir con ustedes mi experiencia personal de cómo descubrí y me zambullí en las aguas del jazz. Para ello utilizaré algunas reseñas del libro mencionado, pero por sobre todo,me confesaré con ustedes de cuál fue mi camino hacia el jazz.

Muchas veces escucho a algunas personas comentar que el jazz es una música difícil de escuchar, muy sofisticada, muy compleja y hasta manifiestan que es muy pesada. Seguro que en algunos casos tienen razón, depende de lo que escuchen y cuan habituados están a escuchar jazz. Hoy quiero compartir con ustedes mi experiencia personal de cómo descubrí y me zambullí en las aguas del jazz. Para ello utilizaré algunas reseñas del libro mencionado, pero por sobre todo,me confesaré con ustedes de cuál fue mi camino hacia el jazz.

“Que este sea un concierto que pueda, de alguna manera, abrir una nueva pauta en la música que se está tocando en Buenos Aires», le decía Luis Alberto Spinetta a su público el 17 de junio de 1977 en el teatro Lasalle. Y por arrogante que sonara, la propuesta lo mostraba, una vez más, desconcertando a su propio público y a la prensa. A pocos meses de la disolución de Invisible, se presentaba con una formación sin batería y lo que seguiría después de ese discurso sería una versión de On Green Dolphin Street, una canción popular que Miles Davis convirtió en standard de jazz en 1958 y que a partir de ahí grabarían desde Ella Fitzgerald hasta Bill Evans y, también en 1977, Return To Forever.

Spinetta lanzó en 1977 “A 18 minutos del sol”, el disco en el que abrazaría el jazz para siempre. Aunque siempre consciente de que el jazz era para él más un facilitador de nuevas variantes estéticas que de una nueva estructura estilística («Mi mundo siempre fue el pop, y yo tomo todo lo que se acerca a mi mundo», le decía a Eduardo Berti en el libro Crónica e iluminaciones, de 1988), lo cierto es que, a partir de ese momento, se rodearía casi invariablemente de, al menos, un músico jazzero en todos sus proyectos. Si Miles Davis, John McLaughlin, Chick Corea y Herbie Hancock habían electrificado el jazz para llegar a audiencias rockeras, Spinetta recorría el camino inverso: se nutría de armonías e improvisaciones jazzeras para revitalizar las formas rockeras que él consideraba obsoletas.

Spinetta había culminado su experiencia con Invisible y su histórico disco “El jardín de los presentes”, donde ya asomaban sonoridades jazzísticas (sobre todo después de la incorporación del virtuoso guitarrista Tommy Gubitsch). El disco “A 18 minutos del sol” refleja esta etapa jazzística de Spinetta. El toque de la batería y el bajo le dieron un pulso más cercano al jazz que al rock y la presencia de los teclados de Rappoport resultó un germen de usina sonora del cual Spinetta bebería de ahí en adelante.

“Que este sea un concierto que pueda, de alguna manera, abrir una nueva pauta en la música que se está tocando en Buenos Aires», le decía Luis Alberto Spinetta a su público el 17 de junio de 1977 en el teatro Lasalle. Y por arrogante que sonara, la propuesta lo mostraba, una vez más, desconcertando a su propio público y a la prensa. A pocos meses de la disolución de Invisible, se presentaba con una formación sin batería y lo que seguiría después de ese discurso sería una versión de On Green Dolphin Street, una canción popular que Miles Davis convirtió en standard de jazz en 1958 y que a partir de ahí grabarían desde Ella Fitzgerald hasta Bill Evans y, también en 1977, Return To Forever.

Spinetta lanzó en 1977 “A 18 minutos del sol”, el disco en el que abrazaría el jazz para siempre. Aunque siempre consciente de que el jazz era para él más un facilitador de nuevas variantes estéticas que de una nueva estructura estilística («Mi mundo siempre fue el pop, y yo tomo todo lo que se acerca a mi mundo», le decía a Eduardo Berti en el libro Crónica e iluminaciones, de 1988), lo cierto es que, a partir de ese momento, se rodearía casi invariablemente de, al menos, un músico jazzero en todos sus proyectos. Si Miles Davis, John McLaughlin, Chick Corea y Herbie Hancock habían electrificado el jazz para llegar a audiencias rockeras, Spinetta recorría el camino inverso: se nutría de armonías e improvisaciones jazzeras para revitalizar las formas rockeras que él consideraba obsoletas.

Spinetta había culminado su experiencia con Invisible y su histórico disco “El jardín de los presentes”, donde ya asomaban sonoridades jazzísticas (sobre todo después de la incorporación del virtuoso guitarrista Tommy Gubitsch). El disco “A 18 minutos del sol” refleja esta etapa jazzística de Spinetta. El toque de la batería y el bajo le dieron un pulso más cercano al jazz que al rock y la presencia de los teclados de Rappoport resultó un germen de usina sonora del cual Spinetta bebería de ahí en adelante.

En la primera parte del programa compartiré con ustedes un obituario jazzero, recordando a diez maestros que partieron el 2022.

En la segunda parte escucharemos diez propuestas en el ámbito del jazz que merecen ser escuchadas.

Nuevamente, feliz 2023!!!

En la primera parte del programa compartiré con ustedes un obituario jazzero, recordando a diez maestros que partieron el 2022.

En la segunda parte escucharemos diez propuestas en el ámbito del jazz que merecen ser escuchadas.

Nuevamente, feliz 2023!!!

En esta sesión de la quinta escucharemos melodías navideñas interpretadas por maestros del jazz.

Deseándoles una feliz navidad, llena de jazz.

En esta sesión de la quinta escucharemos melodías navideñas interpretadas por maestros del jazz.

Deseándoles una feliz navidad, llena de jazz.

Otro ocho de diciembre, catorce años después, quedará para siempre tristemente marcado en la historia de la música, pues ese día se desencarnaba el mayor compositor brasileño de nuestro tiempo: Antonio Carlos Jobim…Tom.

Otro ocho de diciembre, catorce años después, quedará para siempre tristemente marcado en la historia de la música, pues ese día se desencarnaba el mayor compositor brasileño de nuestro tiempo: Antonio Carlos Jobim…Tom.

En la actualidad los standards siguen siendo fuente de inspiración para los nuevos jazzistas, así como lo fueron para los grandes maestros del bebop, del cool o de cualquier época.

En la actualidad los standards siguen siendo fuente de inspiración para los nuevos jazzistas, así como lo fueron para los grandes maestros del bebop, del cool o de cualquier época.

Los homenajes a Mitchell celebraron su recuperación y su triunfo ante la enfermedad, pero también rindieron homenaje a su carrera como una artista integral, compositora, cantante, guitarrista, poeta y pintora, pero ante todo la obra de Joni Mitchell ha girado en torno a la protesta.

Los homenajes a Mitchell celebraron su recuperación y su triunfo ante la enfermedad, pero también rindieron homenaje a su carrera como una artista integral, compositora, cantante, guitarrista, poeta y pintora, pero ante todo la obra de Joni Mitchell ha girado en torno a la protesta.

Cortázar adjudica a la música en general, y al jazz en particular, un poder asociativo y evocativo de primer orden. El jazz es uno de los descubrimientos de su juventud y pronto se convierte en una seña de identidad frente a familia y entorno social, ligado a la idea de autenticidad.

Cortázar adjudica a la música en general, y al jazz en particular, un poder asociativo y evocativo de primer orden. El jazz es uno de los descubrimientos de su juventud y pronto se convierte en una seña de identidad frente a familia y entorno social, ligado a la idea de autenticidad.

“Bitches Brew se vendió más deprisa que cualquier otro de mis álbumes y de él se vendieron más ejemplares que de cualquier otro de álbum de jazz de la historia. Todo el mundo estaba excitado porque muchísimos jóvenes fans del rock compraban el álbum y hablaban de él. Por lo tanto, era bueno. A lo largo de aquel verano fui de gira y actué en las salas de rock con Carlos Santana, el guitarrista chicano que toca rock latino. Aquel tipo tocaba increíble. Me gustaba su estilo, y además es una persona encantadora. Aquel verano nos conocimos muy bien y siempre hemos seguido en contacto. Ambos grabábamos para la Columbia. Yo abría los conciertos para Carlos, y lo hacía a gusto porque ya digo que lo suyo me encantaba. Incluso cuando no tocábamos juntos, si yo me encontraba en la misma ciudad donde él tocaba no me perdía sus actuaciones. Me parece que por aquellos días estaba grabando su álbum Abraxas, y yo solía acudir al estudio para oír lo que hacía. Me dijo que lo había aprendido todo sobre el uso del silencio en su música escuchándome a mí”.

“Bitches Brew se vendió más deprisa que cualquier otro de mis álbumes y de él se vendieron más ejemplares que de cualquier otro de álbum de jazz de la historia. Todo el mundo estaba excitado porque muchísimos jóvenes fans del rock compraban el álbum y hablaban de él. Por lo tanto, era bueno. A lo largo de aquel verano fui de gira y actué en las salas de rock con Carlos Santana, el guitarrista chicano que toca rock latino. Aquel tipo tocaba increíble. Me gustaba su estilo, y además es una persona encantadora. Aquel verano nos conocimos muy bien y siempre hemos seguido en contacto. Ambos grabábamos para la Columbia. Yo abría los conciertos para Carlos, y lo hacía a gusto porque ya digo que lo suyo me encantaba. Incluso cuando no tocábamos juntos, si yo me encontraba en la misma ciudad donde él tocaba no me perdía sus actuaciones. Me parece que por aquellos días estaba grabando su álbum Abraxas, y yo solía acudir al estudio para oír lo que hacía. Me dijo que lo había aprendido todo sobre el uso del silencio en su música escuchándome a mí”.

"El jazz es inevitable, es la lluvia y el pan y la sal, algo absolutamente indiferente a los ritos nacionales, a las tradiciones inviolables, al idioma y al folklore: una nube sin fronteras, un espía del aire y del agua, una forma arquetípica, algo de antes, de abajo…"

Julio Cortazar

"El jazz es inevitable, es la lluvia y el pan y la sal, algo absolutamente indiferente a los ritos nacionales, a las tradiciones inviolables, al idioma y al folklore: una nube sin fronteras, un espía del aire y del agua, una forma arquetípica, algo de antes, de abajo…"

Julio Cortazar

Es una gran intérprete de la música de Antonio Carlos Jobim al que ha dedicado varios discos. En una ocasión el propio Tom, después de haber escuchado una grabación de Elias dijo: «¿Yo he escrito eso tan bello?

Es una gran intérprete de la música de Antonio Carlos Jobim al que ha dedicado varios discos. En una ocasión el propio Tom, después de haber escuchado una grabación de Elias dijo: «¿Yo he escrito eso tan bello?

Dentro de esos diferentes ángulos, hay uno período de la carrera de Chick que se lo puede denominar como “fantástico”, “de cuento” que abarca fundamentalmente desde 1976 hasta 1980, involucrando ocho discos, que casi todos ellos, desde mi punto de vista, comparten características similares que se las iré comentando a lo largo del programa.

Dentro de esos diferentes ángulos, hay uno período de la carrera de Chick que se lo puede denominar como “fantástico”, “de cuento” que abarca fundamentalmente desde 1976 hasta 1980, involucrando ocho discos, que casi todos ellos, desde mi punto de vista, comparten características similares que se las iré comentando a lo largo del programa.

Lo pintoresco de este álbum es que está dedicado a los Superhéroes de series en televisión, películas o comics.

Lo pintoresco de este álbum es que está dedicado a los Superhéroes de series en televisión, películas o comics.

En esta sesión de la quinta disminuida nos remitiremos a la obra de Quincy vinculada al jazz y al funk, tanto en su discografía propia como en la que funciona como el engranaje en la producción y los arreglos.

En esta sesión de la quinta disminuida nos remitiremos a la obra de Quincy vinculada al jazz y al funk, tanto en su discografía propia como en la que funciona como el engranaje en la producción y los arreglos.

Chet Baker y Stan Getz son apenas dos ejemplos, de los muchos que hay, de músicos que pagaron ese tributo por estar bendecidos con la magia de la música.

Chet Baker y Stan Getz son apenas dos ejemplos, de los muchos que hay, de músicos que pagaron ese tributo por estar bendecidos con la magia de la música.

El proceso de consolidación del jazz en Bolivia se inicia el 30 de mayo de 1968, cuando un grupo de músicos, liderados por Johnny Gonzales, y movidos por la pasión a la música negra, más que por su conocimiento musical del género, realizaron el primer festival de jazz en el Teatro 16 de Julio de La Paz. Desde entonces, los músicos bolivianos buscan crear una identidad que diferencie a la música boliviana de las tendencias mundiales.

En esta sesión de La Quinta Disminuida no pretendo realizar un viaje dialéctico-cronológico, sino más bien presentar a ustedes lo que se puede llamar la nueva generación del Jazz en Bolivia, que, si todo continúa con el ímpetu actual, me atrevo a decir que dentro de un periodo no muy largo, podríamos ser testigos de un desarrollo importante del jazz en Bolivia.

El proceso de consolidación del jazz en Bolivia se inicia el 30 de mayo de 1968, cuando un grupo de músicos, liderados por Johnny Gonzales, y movidos por la pasión a la música negra, más que por su conocimiento musical del género, realizaron el primer festival de jazz en el Teatro 16 de Julio de La Paz. Desde entonces, los músicos bolivianos buscan crear una identidad que diferencie a la música boliviana de las tendencias mundiales.

En esta sesión de La Quinta Disminuida no pretendo realizar un viaje dialéctico-cronológico, sino más bien presentar a ustedes lo que se puede llamar la nueva generación del Jazz en Bolivia, que, si todo continúa con el ímpetu actual, me atrevo a decir que dentro de un periodo no muy largo, podríamos ser testigos de un desarrollo importante del jazz en Bolivia.

Toca a tu manera. No toques lo que el público quiere oír. Toca lo que tú quieres y deja que el público lo descubra después, incluso si les cuesta quince o veinte años.

Toca a tu manera. No toques lo que el público quiere oír. Toca lo que tú quieres y deja que el público lo descubra después, incluso si les cuesta quince o veinte años.

En esta sesión de La Quinta Disminuida, comparto con ustedes un programa de Homenaje a Chick Corea, a través de homenajes que importantes músicos le rindieron tanto en vida como también de manera póstuma.

En esta sesión de La Quinta Disminuida, comparto con ustedes un programa de Homenaje a Chick Corea, a través de homenajes que importantes músicos le rindieron tanto en vida como también de manera póstuma.