Una nota mal, un ritmo fuera, una entrada incorrecta… y detenemos la clase.

Pero, ¿y si esa necesidad de corregir está frenando el aprendizaje musical?

En este episodio hablamos de uno de los errores más comunes en la enseñanza: intervenir demasiado pronto.

Desde la rítmica Dalcroze, exploramos cómo el error puede convertirse en una herramienta de aprendizaje en lugar de un problema que hay que eliminar.

Incluye un ejercicio práctico que puedes aplicar inmediatamente para trabajar atención, reacción y control sin necesidad de corregir constantemente.

Si quieres que tus alumnos se arriesguen más y aprendan de verdad, este episodio es para ti.

En este episodio abrimos la temporada 3 de El Profe de Música con una pregunta incómoda pero necesaria: ¿por qué muchas clases de música no funcionan como esperamos?

A partir de mi experiencia como docente y especialista en rítmica Dalcroze, te propongo un cambio sencillo pero profundo: dejar de empezar por la explicación y comenzar desde la experiencia.

Hablamos de por qué el aprendizaje musical no puede ser solo intelectual, de cómo el cuerpo puede convertirse en la puerta de entrada al conocimiento, y de qué significa realmente “vivir la música” antes de entenderla.

Además, te guío paso a paso en un ejercicio práctico que puedes aplicar inmediatamente en tu clase para trabajar el pulso, la atención y la reacción de tus alumnos.

Este episodio es una invitación a replantear tu forma de enseñar: menos explicación, más experiencia.

🎧 Si alguna vez has sentido que tus alumnos “entienden pero no interiorizan”, este episodio es para ti.

En este episodio de El Profe de Música, Manuel Zazueta reflexiona sobre nuestra relación con el error y cómo el miedo a equivocarnos termina robándonos el disfrute, la espontaneidad y el sentido artístico de la música.

Desde su experiencia como docente en conservatorios y escuelas internacionales, Manuel aborda una idea clave: muchas personas no abandonan la música porque no puedan, sino porque deja de ser un lugar seguro. El juicio externo, el autojuicio y el silencio que nos imponemos generan una desconexión profunda entre el cuerpo, la escucha y la intención musical.

A través de ejemplos personales, anécdotas de aula y referencias a la improvisación, este episodio propone reconciliarnos con el error como una fuente de información, no como un castigo. Improvisar, continuar a pesar del fallo, habitar el presente y priorizar el mensaje artístico por encima de la perfección técnica son algunas de las claves que atraviesan la conversación.

Un episodio para estudiantes, docentes y músicos de cualquier edad que quieren volver a jugar con la música, recuperar el placer de tocar y entender que compartir música no es demostrar lo que sabes, sino comunicar quién eres.

Porque la música no se conquista:

la música se escucha… y cuando la escuchas, siempre vuelve contigo.

En este episodio de El Profe de Música, Manuel Zazueta propone un cambio radical de enfoque: practicar no es repetir mecánicamente, sino escuchar con intención, anticipar el sonido y preparar el cuerpo para el arte.

Desde su experiencia como maestro de música en escuelas internacionales y su formación en la Rítmica Dalcroze en Ginebra, Manuel explica por qué la voz, el cuerpo y el movimiento son el verdadero laboratorio musical. A lo largo del episodio reflexiona sobre los errores más comunes al estudiar un instrumento, cómo identificar y resolver problemas reales en una partitura, y por qué pasar menos tiempo tocando puede generar mejores resultados musicales.

También explora formas concretas de practicar sin instrumento: improvisación vocal, escucha interna, imaginación sonora y trabajo corporal, mostrando cómo estas herramientas desarrollan la anticipación, la memoria musical y la conciencia artística. Un episodio clave para estudiantes, docentes y músicos que sienten que “practican mucho pero avanzan poco”.

Porque practicar no es demostrar disciplina:

practicar es demostrar cuidado por la música que hacemos.

En este episodio de El Profe de Música, Manuel Zazueta desmonta uno de los mitos más comunes sobre la música: la idea de que solo algunas personas nacen con talento musical. Desde su experiencia como maestro de música en escuelas internacionales y formado en el Instituto Dalcroze de Ginebra, Manuel reflexiona sobre qué significa realmente entender música y por qué leer partituras no es lo mismo que comprender lo que suena.

A través de ejemplos cotidianos, experiencias personales y analogías claras, este episodio propone una forma más humana y accesible de acercarse a la música: escuchar con intención, anticipar, sentir el pulso, imaginar el sonido incluso cuando no está presente. Aquí hablamos de ritmo, oído musical, aprendizaje musical, lectura, práctica y motivación, siempre desde la idea de que la experiencia musical va primero y el análisis viene después.

Un episodio para quienes cantan “solo en la ducha”, para quienes dejaron la música porque alguien les dijo que no servían, y para docentes que buscan una manera más consciente y significativa de enseñar música. Porque entender música no es acumular teoría, sino aprender a escuchar… incluso cuando el sonido está solo en tu cabeza.

El capítulo aborda la relación entre teoría y práctica, mostrando por qué conocer la teoría musical no basta sin un entrenamiento auditivo constante. A partir de combinaciones sencillas como fa–sol–la, el lector aprende a crear melodías, variar ritmos y trabajar con compases simples, todo ello con el objetivo de adquirir independencia musical y fortalecer la imaginación sonora.

Además, se introducen conceptos como los trícordes, el uso de patrones rítmicos y la importancia de repetir, automatizar y luego transformar el material aprendido. El lector descubre cómo un ejercicio aparentemente básico se convierte en la base para improvisar, componer y comprender de forma más profunda el lenguaje musical.

A través de ejemplos sencillos —palmear, caminar, mover la cabeza— descubrirás cómo funcionan las divisiones del sonido: enteros, mitades y cuartos, y cómo estas ideas forman la base de toda lectura rítmica. También conocerás por qué el metrónomo es útil para estudiar pero limitado para interpretar, y cómo cada persona siente el tempo de manera distinta.

Este episodio es ideal si estás empezando en el mundo musical o si quieres reforzar las bases de la lectura rítmica de una forma clara y práctica. Prepárate para moverte, palmear y entender mejor cómo respira la música.

También descubrirás:

• Cómo ubicar las notas en tu instrumento (piano, guitarra, violín, vientos, etc.).
• Qué escala conviene aprender primero según tu instrumento.
• Por qué es esencial cantar lo que lees y no solo “decir el nombre de la nota”.
• Qué son los registros del piano y cómo funcionan.
• Qué son las distintas claves musicales y por qué existen hasta siete posiciones posibles.
• Errores comunes al enseñar teoría… y cómo evitarlos para volverla útil desde el primer día.

Si estás empezando en la teoría musical o quieres reforzar tus bases auditivas para leer mejor, este episodio te va a servir muchísimo.

Y si tienes alguna duda o tema que quieras que aparezca en próximos episodios, déjalo en los comentarios.

Hablamos de:

• Para qué sirve realmente la teoría (y para qué NO).
• Qué teoría necesitas según tu instrumento y tus metas.
• Cómo empezar a leer música con un método claro y práctico.
• Ejercicios guiados con do–re–mi–fa–sol usando un “bigrama”.
• El origen curioso de los nombres de las notas y por qué ya no decimos “ut”.

Este episodio es ideal si estás empezando, si llevas tiempo tocando “de oído” y quieres ordenar lo que ya sabes, o si simplemente quieres perderle el miedo a la notación musical.

En este episodio, Manuel Zazueta —educador musical en escuelas internacionales de Hanoi y especialista en Rítmica Dalcroze formado en Ginebra— desmonta la idea de estar “peleado” con la tecnología.

A través de anécdotas personales, desde sus primeros años sin computadora hasta su trabajo actual con grabación, DAWs, IA, iluminación y diseño de sets, Manuel te muestra cómo la tecnología ha impactado su práctica como docente y músico.

Descubrirás:

• Por qué sí eres una persona tecnológica (aunque no lo creas).
• La diferencia entre funciones “fijas” y “flexibles” en cualquier dispositivo.
• Cómo pensar como la máquina para pedirle exactamente lo que necesitas.
• Qué preguntarte antes de usar micrófonos, DAWs o inteligencia artificial.
• Ejemplos reales del uso de IA en el estudio musical.
• La importancia de mantener activa la creatividad en tiempos de automatización.

Un episodio cercano, práctico y lleno de reflexiones útiles para cualquier educador musical que quiere llevar sus clases al siguiente nivel sin perder la esencia artística.

🎧 Escúchalo y descubre cómo la tecnología puede convertirse en tu aliada en el aula y en tu propia práctica musical.

Además, aprovecha la Semana Anti-Bullying en su escuela para hablar sobre el papel del maestro en la detección y prevención del acoso, recordando que cada alumno es único —como esos calcetines impares que todos llevaron al aula.

En este episodio encontrarás ideas concretas para:

🎹 Mejorar la técnica pianística sin saturarte de horas de práctica.

💭 Usar el método de las “burbujas” para resolver pasajes difíciles.

👂 Cultivar la escucha consciente y la autocrítica constructiva.

👩‍🏫 Reflexionar sobre el rol docente en la empatía y el respeto escolar.

Un episodio honesto, lleno de humor, humanidad y sabiduría práctica para quienes enseñan o aprenden música desde el corazón.

A partir de su experiencia diaria en el aula, Manuel comparte ejemplos concretos para trabajar con los alumnos la incitación e inhibición, los esfuerzos grupales, y la relación entre tiempo, espacio y energía, incluso a través de canciones navideñas. Desde un simple juego con pelotas de tenis hasta la exploración rítmica de The Twelve Days of Christmas, este episodio ofrece ideas prácticas para desarrollar conciencia corporal, escucha activa y colaboración musical.

🎧 Un episodio ideal para maestras y maestros que buscan integrar los festivales escolares con el aprendizaje profundo y significativo de la música.

🔗 Recursos mencionados:

• Curso gratuito de improvisación musical: cielitoarte.com/improvisacion
• Taller de Formación a Distancia (TFD): cielitoarte.com/tfd

Desde su aula en Hanoi, Vietnam, Manuel reflexiona sobre los retos de enseñar música a diferentes edades —desde preescolar hasta preparatoria— y cómo adaptar la forma de comunicarse y crear experiencias significativas para cada grupo.

A través del juego, el movimiento y la imaginación, los alumnos aprenden a controlar su impulso, escuchar activamente y expresarse con el cuerpo. Manuel explica paso a paso cómo llevar a cabo la actividad, cómo involucrar (y poner límites a) los asistentes de clase, y por qué es esencial vivir la experiencia corporal antes del análisis, un principio clave de la Rítmica Dalcroze.

🎧 Escúchalo para inspirarte con ideas prácticas, reflexiones docentes y estrategias para tus clases de música.

🔗 Recursos mencionados en este episodio:

• Curso gratuito de improvisación musical: cielitoarte.com/improvisacion
• Taller de Formación a Distancia (TFD): cielitoarte.com/tfd

A través del juego, la fantasía y la música en vivo, los niños viajan por distintos planetas para descubrir las tres velocidades relativas del ritmo: una lenta como Júpiter, una rápida como Venus y una intermedia como la Tierra. Entre risas, movimiento y piano, Manuel muestra cómo una experiencia sensorial y corporal puede transformarse en un aprendizaje musical profundo.

💡 Descubre las tres etapas de una clase de Rítmica Dalcroze:

1️⃣ Experiencia: vivencia musical y corporal.

2️⃣ Análisis: comprensión de lo vivido.

3️⃣ Aplicación: interpretación o lectura rítmica.

🎶 Este episodio es ideal para docentes de música, educadores de preescolar y primaria, o cualquier persona interesada en entender cómo el movimiento y la imaginación ayudan a desarrollar una comprensión real del ritmo.

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• ¿Cómo equilibrar la parte artística con los recursos disponibles?
• ¿Qué papel juegan el dinero, la comunidad y el liderazgo escolar en el éxito de un evento?
• ¿Cómo hacer que los festivales muestren aprendizaje genuino y no solo un “show bonito”?

Desde anécdotas personales hasta consejos prácticos sobre trabajo en equipo, improvisación y gestión escolar, Manuel comparte cómo transformar cada presentación en una oportunidad para construir comunidad y sentido educativo.

Si eres docente de música, coordinador de artes o simplemente alguien que busca mejorar la planificación de eventos escolares, este episodio te dará una mirada honesta, reflexiva y llena de humor sobre lo que realmente implica hacer escuela a través del arte.

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Desde su experiencia en escuelas internacionales en Vietnam, Manuel comparte ejemplos reales de sus clases y explica cómo una corrección bien planteada puede fortalecer la confianza, la motivación y la relación entre maestro y alumno.

Hablamos sobre:

🎶 La diferencia entre corregir y juzgar

💬 Cómo ofrecer retroalimentación sin desmoralizar

🧠 La importancia del “cómo” frente al “qué”

🎵 Estrategias concretas para guiar con claridad y empatía

Este episodio invita a todos los educadores musicales —ya sea que trabajen en preescolar, primaria o con alumnos avanzados— a repensar la forma en que corregimos, buscando que cada ajuste se convierta en una oportunidad de aprendizaje con alegría y conciencia.

📚 Inscríbete gratis en el Curso de Improvisación para la Educación Musical:

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🎓 También puedes conocer el Taller de Formación a Distancia (TFD):

👉 cielitoarte.com/tfd

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Aprende cómo transformar la improvisación en una herramienta para componer melodías, fortalecer la escucha, fomentar la expresión espontánea y conectar con el lenguaje musical desde el cuerpo. Ideal para docentes, músicos y amantes de la educación artística y la Rítmica Dalcroze.

🎧 Escúchalo y descubre cómo la improvisación puede ser el punto de partida para una educación musical más viva, libre y significativa.

📩 Comparte tus comentarios o experiencias escribiendo a: elprofedemusica@cielitoarte.com

Desde la experiencia en el aula, comparte ideas prácticas inspiradas en la Rítmica Dalcroze, donde el movimiento no es un accesorio, sino el punto de partida. A través de ejemplos con niños y jóvenes, explora cómo el cuerpo puede ser el verdadero puente entre la mente, la emoción y la música.

💡 El movimiento es la raíz de toda musicalidad. Cuando el cuerpo está conectado, la música fluye con naturalidad.

🎙️ El Profe de Música — un podcast sobre educación musical, arte y movimiento, contado desde la experiencia del aula.

📍 Más sobre el Taller de Formación a Distancia (TFD): https://www.cielitoarte.art/tfd

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Manuel comparte estrategias sencillas —como la pausa de escucha, el silencio respirado y el juego de las estatuas— que ayudan a los alumnos a conectar con su cuerpo, su respiración y su entorno. Más que ausencia de sonido, el silencio aparece aquí como un espacio lleno de atención, energía y presencia.

💡 Porque el silencio no separa la música: la sostiene, la da forma y nos enseña a escuchar de verdad.

🎧 El Profe de Música — un espacio para repensar la enseñanza musical desde la experiencia, el arte y el movimiento.

A través de ejemplos prácticos, Manuel muestra cómo iniciar una clase desde el movimiento libre y cómo la Rítmica Dalcroze puede transformar la forma en que enseñamos —y aprendemos— música.

💡 Cuando el cuerpo entiende, la mente no necesita esforzarse tanto para comprender.

🎧 El Profe de Música — un espacio para redescubrir la enseñanza musical desde el arte, el movimiento y la experiencia.

Manuel explica cómo este tipo de práctica ayuda a distinguir las sensaciones de estabilidad, tensión y apertura dentro de la armonía, y por qué es fundamental que los alumnos experimenten la música antes de analizarla.

También comparte ejemplos de cómo adapta este ejercicio en clases con niños de primaria, utilizando movimiento, improvisación y juego para que los estudiantes reconozcan las relaciones armónicas de forma corporal y natural.

🎵 Ideal para docentes, músicos y estudiantes interesados en conectar el solfeo, la armonía y el movimiento de una manera viva y significativa.

🎧 El Profe de Música — un espacio para reflexionar sobre la enseñanza musical con creatividad, cuerpo y alma.

Manuel habla sobre la importancia de planear de forma flexible y orgánica, permitiendo que las clases evolucionen con los alumnos, y explica cómo la práctica rítmica ayuda a cultivar la empatía, el pensamiento creativo, la adaptación y la colaboración.

Un episodio ideal para educadores, músicos y profesionales interesados en conectar el arte con el desarrollo humano.

Descubre cómo el movimiento se convierte en el puente entre la percepción, la emoción y la comprensión musical; cómo el solfeo desarrolla el oído interno desde una perspectiva verdaderamente musical; y cómo la improvisación se transforma en una herramienta poderosa para enseñar, crear y conectar con los alumnos.

Un episodio esencial para quienes buscan comprender la esencia pedagógica y artística de la Rítmica Dalcroze.

Sin embargo, este proceso no sería posible sin la improvisación. Es en ese espacio creativo donde surge la motivación genuina para moverse, explorar y expresarse libremente. La improvisación abre la puerta al juego, a la espontaneidad y al descubrimiento personal, permitiendo que cada estudiante construya un vínculo auténtico con la música.

En este episodio exploramos cómo la rítmica y la improvisación se entrelazan para dar forma a una práctica musical viva, dinámica y profundamente humana.

Esta es una experiencia verdaderamente Dalcroziana, ya que en el solfeo Dalcroze, el trabajo con tricordes se realiza desde muy temprano. Lo importante es tener un claro referente de la sensación de estas tres células melódicas.

El objetivo principal es ayudarlos a reconocer cuando un tutorial en linea te está dando información incompleta y como la puedes ir complementando para tu propio desarrollo.

📌 Temas clave:

✔️ Cómo empecé como profesor de música y mi evolución profesional

✔️ La planificación de festivales escolares con una base pedagógica sólida

✔️ La importancia del trabajo en equipo y la implicación de toda la comunidad educativa

✔️ Cómo los espectáculos pueden desarrollar habilidades musicales, sociales y emocionales

✨ Si eres docente de música, director de coro, organizador de eventos escolares o simplemente te apasiona la enseñanza musical, este episodio es para ti.

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📣 Comparte tu experiencia: ¿Cómo organizas los festivales en tu escuela? ¡Déjamelo en los comentarios!

Aprenderás cómo integrar actividades creativas que ayudan a los estudiantes más jóvenes a internalizar el pulso a través de experiencias físicas, y cómo trabajar con adolescentes en secundaria para desarrollar su análisis musical, coordinación y trabajo en equipo.

Si eres docente de música, este episodio está lleno de consejos útiles para mejorar tus clases y motivar a tus alumnos mientras aprenden conceptos clave de ritmo y estructura musical.

Acompáñame y descubre nuevas maneras de inspirar a tus estudiantes, ¡sin importar su edad o nivel!

Exploraremos la importancia de la planificación estratégica, la preparación técnica con sistemas de redundancia, y cómo crear una experiencia inclusiva para familias multilingües. También abordamos consejos sobre manejo de equipos técnicos, diseño de narrativas atractivas y el uso de herramientas audiovisuales para elevar el impacto del espectáculo.

Timestamps:

00:00 Introducción al episodio

00:08 Organización del festival y desafíos técnicos

00:13 Preparación de ensayos y planificación por periodos

26:56 Reflexiones finales y cierre

27:10 Despedida e invitación para próximos episodios

Si buscas inspiración y consejos para organizar festivales escolares o actividades musicales exitosas, este video es para ti. Únete y descubre cómo transformar cualquier evento escolar en una experiencia significativa y profesional.

👶 ¿Qué aprenderás en este episodio?

✅ Qué es la Rítmica Dalcroze y su aplicación en la primera infancia.

✅ Actividades prácticas que puedes implementar en tu aula de preescolar.

✅ Cómo estimular el aprendizaje musical a través del cuerpo y el movimiento.

✅ Consejos para integrar la música en el desarrollo emocional y cognitivo de los niños.

🌟 Este episodio está diseñado para docentes de música, padres interesados en métodos innovadores, y cualquier persona apasionada por la enseñanza musical.

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🔗 Recursos adicionales:

📍 Más episodios de este podcast: www.cielitoarte.com/elprofedemusica

📍 Métodos y cursos basados en la Rítmica Dalcroze www.cielitoarte.com/tfd

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📅 Marcas de tiempo:

0:00 Breve historia de la Rítmica Dalcroze

4:22 Los pilares de la Rítmica Dalcroze

6:22 Los elementos de la clase Dalcroze

7:39 El paso al trabajo con infancias

9:11 Mis inicios en Dalcroze

11:16 Qué calificamos en una clase Dalcroze

13:41 Ejemplos de ejercicios

En el episodio de hoy hablaremos sobre la planeación de festivales, un aspecto fundamental para mostrar el trabajo y avance de tus alumnos. Además, bien planeados, los festivales son una gran oportunidad para aprender sobre el aspecto escénico de la música. Si estás buscando nuevas ideas para tus clases, estrategias para conectar mejor con tus estudiantes o simplemente una buena dosis de inspiración musical, quédate. En este episodio compartiremos ideas muy interesantes.

No olvides que puedes participar activamente en este espacio: deja tus comentarios en cualquier plataforma donde nos escuches o envíame un mensaje a elprofe@cielitoarte.com. Y ya que estás ahí, te agradecería mucho si dejas una reseña de cinco estrellas. Es un pequeño gesto que nos ayuda muchísimo.

Ahora sí, prepárate para un viaje musical lleno de aprendizaje y descubrimiento.

El arte del movimiento no solo libera el cuerpo, sino que también une a las personas en una experiencia compartida de ritmo y expresión.

– Émile Jaques-Dalcroze

Cuando empecé a dar clases en preescolar, tenía muy presente la presión de los festivales. Queremos que todo salga perfecto. Lo primero que me dijeron fue: "No te preocupes, solo se trata de que los niños estén en un escenario, canten unas canciones y ya". Pero entonces, ¿cómo van a cantar? Cuando preparas una canción, te dicen: "Ah, también tiene que haber movimiento, un baile". Y yo pensaba: "¿Baile? Pero soy profesor de música".

Comencé con meses de preparación, a veces tres meses antes. Ensayábamos constantemente. Sin embargo, después de años de experiencia, llegué a una conclusión que no te sorprenderá: no necesitas empezar tres meses antes ni sobre-ensayar para tener un festival exitoso.

Cuando ensayamos demasiado pronto, los niños se aburren. Los ensayos dejan de ser emocionantes y se sienten como una rutina pesada, lo que afecta su motivación. En lugar de verlos entusiasmados, a menudo ves caras cansadas. Lo que he descubierto es que un periodo más corto y planificado funciona mejor.

En mi caso, cinco semanas antes del festival es ideal. Este tiempo permite planificar las piezas musicales y coreografías, ensayar cada sección con ajustes y mantener el entusiasmo hasta el gran día. Eso sí, este enfoque varía según el tiempo de clase y el apoyo del equipo escolar.

Evita sobre-ensayar. No se trata de que memoricen las canciones como cantantes de ópera. Ensaya con objetivos claros: enfócate en secciones específicas. Esto lo aprendí de mi maestra de piano, María Teresa Ramos, quien me enseñó a estudiar "con burbujas". Identifica los pasajes problemáticos, enfócate en ellos y trabaja con ejercicios específicos. Al final de cada clase, dedica solo unos minutos para repasar la canción completa.

Introducir pausas y reflexiones.

Pregúntales a los niños: "¿Qué estamos haciendo? ¿Cómo se relaciona esto con nuestra canción o movimiento?" Así, desarrollan conciencia del propósito de cada ejercicio. También es importante mantener la diversión: haz bromas, varía las dinámicas y utiliza diferentes recursos (tambores, palmadas, caminar).

El movimiento escénico.

Como decía Adolphe Appia: "La verdadera esencia del arte escénico está en la interacción entre espacio, tiempo y el cuerpo humano." No se trata de coreografías complejas, sino de movimientos significativos que conecten con lo que cantan. Deja que los alumnos tomen decisiones sobre los movimientos; esto les ayudará a aprender mejor y disfrutar más.

Concierto navideño y festivales.

Este año, en mi escuela, el repertorio navideño combina estilos y formatos variados:

Coro y piano: We Need a Little Christmas y Walking in the Air.

Banda de rock: Feliz Navidad y Last Christmas.

Coro y banda: Mistletoe y All I Want for Christmas Is You.

El concierto no solo busca ofrecer variedad, sino también resaltar el trabajo en equipo. La banda ha trabajado de forma independiente, mostrando gran madurez, mientras que el coro ha sacrificado recreos para afinar detalles.

Por otro lado, este año celebramos el quinto aniversario de la escuela con nuestro festival Winter Wonder. El enfoque es la experiencia colectiva, destacando la unidad de la comunidad escolar.

Planifica bien, trabaja con propósito y evita el sobre-ensayo. Involucra a tu comunidad y asegura que cada ensayo contribuya directamente al objetivo final. Recuerda: los festivales no solo son sobre música, sino sobre crear comunidad y momentos significativos que los alumnos recordarán con cariño.

En este episodio el maestro Manuel Zazueta, el "profe de música" Nos platica acerca de su experiencia dando clases en preescolar, la relación con el día del músico y el día del maestro en Vietnam, que se celebra el 20 de Noviembre.